Composición (I)
Estamos hablando de algo tan importante en la fotografía como
es la composición. Teóricamente hablando la composición es la
forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, es donde
radica gran parte de la fuerza de una buena fotografía. Y quiero remarcar esto
de principios y no reglas estos principios y como usarlos de la mejor manera posible para
ayudar a dotar de fuerza a nuestras fotografías.
El
centro de interés
El centro de interés es el elemento principal que queremos hacer
destacar en la fotogra debe ser claramente identificable, y valga la
redundancia atraer el interés del espectadorEl centro de interés no tiene que estar necesariamente colocado en el centro de la foto ni ocupa la mayor parte de la imagen, simplemente debe ser el protagonista de la imagen y el que atraiga nuestra atención. En general hay tres zonas donde podemos colocar el centro de interés en nuestra fotografía:
· Centro: estático, generalmente aburrido, apto si queremos transmitir calma y tranquilidad.
· Cerca del borde: transmite tensión, puede resultar incomodo, normalmente necesitaremos alguna justificación para ponerlo ahí.
· Ligeramente descentrado: es dinámico sin llegar a crear una gran tensión, es el más adecuado habitualmente para aportar interés a la imagen.
Las
líneas Las lineas son elementos muy presentes en la fotografía, y que
podemos usar como herramientas para dar fuerza a nuestra composición,
guiar la vista del espectador y dar soporte a otros elementos dentro
del encuadre.
Cuando hablamos de líneas no nos referimos exclusivamente a
líneas plasmadas en el sentido literal de la palabra, una línea puede venir
dada por una sucesión de puntos, por sombras, por espacios vacíos (espacio
negativo), formas geométricas, etc.Las lineas pueden ser horizontales, verticales, diagonales, curvas o implícitas en la mirada. Cada tipo presenta unas características diferentes y aportan sensaciones distintas según donde y como las usemos.
Las líneas horizontales crean un patrón visualmente atractivo y la sudadera roja es el centro de interés de la fotografía.
Encuadre
El encuadre puede cambiar radicalmente las sensaciones que
transmite nuestra fotografía. Por lo general el encuadre horizontal es más
natural, ya que es como nuestros ojos ven el mundo, y da sensación de amplitud
y serenidad, mientras que el encuadre vertical nos aporta más dinamismo.
Encuadre horizontal: es el más usado por ser más natural da sensación de amplitud,
serenidad y quietud. El campo visual del ser humano horizontalmente abarca
unos 180 grados, verticalmente en cambio sólo unos 130 grados, por eso vemos en
formato horizontal. Es el más usado en paisajes, street
photography y en fotografía en general.
Encuadre vertical: utilizamos sobre todo el encuadre vertical para objetos que son
más altos que anchos. Con el encuadre vertical la fotografía transmite firmeza.
En los retratos y las fotos arquitectónicas.. También las
fotografías de paisajes lo usan en ocasiones, para incluir más primer plano y
con ello aumentar la sensación de profundidad.
Encuadre cuadrado: el encuadre cuadrado es el que nos aporta más estabilidad a la
foto. Es equilibrado, y es muy interesante para fotos donde queramos transmitir
mucha serenidad y quietud, pero debemos manejarlo con cuidado para que
nuestra foto no caiga en el aburrimiento. Se utiliza mucho también unido a simetrías,
por la misma razón.
Elegir el mejor encuadre para cada fotografía en cada momento
esta en nuestra mano, y dependerá de lo que queramos transmitir con nuestra
imagen. A veces será mejor optar por un retrato en formato horizontal, o por un
paisaje en vertical, nosotros decidimos y para hacerlo de la mejor manera
posible es útil conocer estos principios básicos.
Composición
(II)
Hoy os hablaremos de una de las “reglas” más
conocidas y usadas en fotografía para la composición, la regla de los tercios,
y también otros dos conceptos muy relacionados con ella, la proporción áurea y la ley del horizonte
La regla de los tercios Es quizá la
regla más básica y conocida en fotografía. Da los centros de atención o puntos fuertes
del encuadre. Y tendrá
mucha más fuerza y la fotografía será más armoniosa. Si existiese un
sujeto secundario debería colocarse en el punto opuesto diagonalmente.
La ley del
horizonte La ley del horizonte no es
exactamente una ley por si sola, si no más bien una aplicación de la regla de
los tercios a la fotografía de paisaje. Si queremos dar prioridad al cielo
debemos situar el horizonte en el tercio inferior. Si queremos darle más
importancia a la tierra tenemos que situar el horizonte en el tercio superior.
En caso de que nuestra intención fuese conseguir una simetría, el horizonte se
situaría en el centro.
La
proporción áurea la regla de los tercios no es más que una
simplificación de la proporción
áurea.
Como usar la ley de la mirada, la repetición de
elementos y los colores para enriquecer nuestras fotografías. Como
siempre, no os olvidéis de compartir, y si os surge alguna duda preguntadla
aquí en los comentarios, estaremos encantados de contestaros lo antes posible!
Composición
(III)
La ley
de la miradaEsta dice que el espacio que hay delante de la mirada de nuestro sujeto tiene que ser mayor que el de la parte de atrás; este espacio en blanco o espacio negativo se conoce como aire. Dejando aire delante de nuestro sujeto el retrato está equilibrado
Si no dejamos aire delante del sujeto este parece que va a salir del encuadre
Por otro lado, la mirada es un poderoso elemento que podemos usar en nuestra composición para guiar la vista del espectador en la dirección que más nos convenga dentro del encuadre. Debido a la fuerte atracción que ejerce el rostro humano dentro del encuadre, nos fijamos rápidamente en cualquier cara que aparezca con nitidez en una fotografía. Si esta persona fotografiada está contemplando algo, nuestros ojos siguen instintivamente la dirección de su mirada, para saber que es lo que capta su atención.
La repetición de elementos (ritmo) y los
patrones
resultan
un elemento que aporta gran atractivo. La clave para realzar los patrones de
repetición es aislarlos de lo que tienen alrededor. Podemos ayudarnos de teleobjetivos para comprimir los planos de la imagen y aislar los patrones, buscando el ritmo.
La forma más común y llamativa de conseguir la repetición de elementos es mediante las formas de los mismos, aunque la repetición de lineas, tonos, colores, etc. también da muy buen resultado.
A la hora de capturar el ritmo en una fotografía podemos hacer básicamente dos cosas:
·
Enfatizar la repetición: llenar
el encuadre con un patrón repetitivo produce la impresión de que este se
perpetúa hasta el infinito. Como hemos dicho antes la clave es usar un
teleobjetivo, y aislar el patrón de su entorno.
·
Romper el ritmo:
podemos introducir un elemento que rompa el ritmo de nuestro patrón añadiendo
algo que contraste en forma, color, textura, etc. Normalmente añadiremos este
sujeto que rompa la repetición en uno de los puntos fuerte de la regla de los tercios, para
que nuestra composición quede más atractiva.
El
color
El
color y en particular los colores fuertes son un elemento importante para atraer la
atención.Los diferentes colores son percibidos por el ojo humano de distintas formas, y evocan distintos sentimientos. Colores cálidos como el rojo denotan energía y calor, mientras que los colores fríos como el azul tienen un efecto más calmado y relajante.
Generalmente podemos atraer fácilmente la atención del espectador con un color saturado o intenso, y mantenerla por un cierto periodo de tiempo. Podemos usar los colores para crear sensaciones en nuestra fotografía. Contrastes fuertes, especialmente entre colores primarios (rojos, amarillos, y azules), son efectivos para evocar dinamismo y movimiento.
Combinaciones de tonos en el mismo rango, especialmente tonos pastel o más lavados pueden crear una atmósfera más romántica, mientras que las combinaciones de tonos naturales, como verde, marrón, etc. son adecuados para producirnos un sentimiento de estar en la naturaleza.
Los tonos azules aportan calma y tranquilidad
Elementos
impares, el espacio
negativo y la técnica de enfoque-desenfoque.
Composición (V)Enmarcado natural
Cuando hablamos de enmarcado natural nos referimos a una técnica donde se usan elementos propios de la fotografía como marcos “internos”, es decir para enmarcar otro sujeto de la misma fotografía. Estos marcos pueden ser naturales como arboles, cuevas, etc. o bien, hechos por el hombre, como puertas, ventanas…
Debemos usar el marco para transmitir profundidad a la imagen. Para ello hay principalmente dos formas: la luminosidad y la profundidad de campo.
En el caso de la luminosidad podemos
oscurecer el marco con respecto al sujeto principal de la imagen, dando así
sensación de estar en distintos planos.
También podemos obtener este efecto usando la profundidad de campo, en
este caso se trataría de dejar desenfocado el marco, mientras el elemento
principal está en foco.Podemos usar muchos elementos para enmarcar una fotografía, incluso algunos no tan inmediatos, como pueden ser personas o animales.
Altura y perspectiva
La altura
desde la que encuadramos o punto de vista tiene gran
influencia el la percepción que se genera de nuestras fotografías. Aunque hay
más, los principales puntos de vista que podemos encontrarnos en una fotografía
son el normal (a la altura de nuestros ojos), elevado o picado (foto
hecha a mayor altura que el sujeto) y bajo o contrapicado (foto
hecha a menor altura que el sujeto).Cada una de estas alturas nos evocan una sensación diferente al ver la imagen.
·
El nivel normal
generalmente sirve para
mostrar o describir algo de manera natural u objetiva y transmite una sensación de estabilidad
y tranquilidad, por ser la altura más parecida a la que
nosotros vemos el mundo.
·
El nivel elevado provoca
que el sujeto se vea disminuido en tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso compositivo para
restar importancia o transmitir una sensación de debilidad o humillación.
Es usado a menudo en fotografía de niños y fotografía documental para
mostrar la vulnerabilidad del sujeto.
·
El nivel bajo muestra
al al sujeto engrandecido visualmente, con lo que se logra transmitir mayor importancia y
una posición dominante en relación al espectador. Básicamente
se emplea, para fotografía arquitectónica y de deportes, especialmente
aquellos estilo descenso en mountain bike, snowboard, etc.
También hay fotografías con ángulos totalmente cenitales o en
nadir, pero son menos frecuentes.
En cuanto a la
perspectiva, debemos señalar que es un recurso muy importante para dotar de
profundidad y atractivo a nuestras fotografías, ya que se encarga de dar
sensación de tridimensionalidad y volumen a los objetos fotografiados.La disminución de tamaño de objetos iguales aumenta la sensación de profundidad, igualmente las líneas convergentes son un elemento importante para señalar la perspectiva, aportando la sensación de primer término y fondo.
Las líneas de la balaustrada y los bancos cada vez más pequeños nos proporcionan la perspectiva.
El mismo objeto presenta diferentes perspectivas si se fotografía desde la altura de los ojos, desde arriba o desde el suelo, como acabamos de ver, y como consecuencia de esto cambia la percepción de la escena.
La escala es también una manera muy usada de aportar perspectiva, si
disponemos dentro del encuadre un objeto o persona cuyo tamaño nos es familiar,
nos puede servir para hacernos una idea del tamaño de los demás elementos de la
imagen.
La persona
sentada en el fiordo nos da una referencia para saber el tamaño del mismo.Y no podemos acabar de hablar sobre la perspectiva sin hacer mención a un tipo “especial” de perspectiva usada a veces en fotografía, me refiero a la perspectiva forzada.
La perspectiva
forzada es una ilusión fotográfica generalmente utilizada para
hacer dos o más objetos parezcan tener un tamaño diferente que su tamaño real.
Este efecto se da gracias que, aunque nosotros intentamos darle profundidad por
medio de la perspectiva, las fotografías son en dos dimensiones, lo cual nos
permite jugar con la posición de los elementos en el encuadre para obtener este
tipo de perspectiva.
Equilibrio y peso visualEl equilibrio es una técnica de composición fotográfica que contrapone elementos dentro del encuadre, de modo que todos los elementos tienen igual peso visual, es decir, son igual de importantes y atraen la atención de la misma manera.
Hay elementos que atraen más la atención que otros, y por eso debemos ser conscientes de donde situarlos en la fotografía. Por ejemplo, los ojos, las cosas brillantes o muy coloridas, los objetos grandes y contrastados, las caras y la escritura tienen un fuerte peso visual, atraen la mirada rápidamente.
Si situamos estos elementos todos en el mismo lado de la imagen, la imagen estará desequilibrada, ya que habrá muchos puntos de interés en un lado, y poco que ver en el otro. Si queremos una composición equilibrada y que nos de una sensación agradable debemos situar los elementos de peso en equilibrio dentro del encuadre.
Podemos ver la disposición de elementos de interés (en este caso personas) de forma equilibrada por el encuadre.
Esto no tiene que ser siempre lo que hagamos, es decir, a veces preferiremos destacar un elementos sobre el resto (como ya hemos visto) o proponer una composición desequilibrada para generar cierta inquietud en el espectador, una inquietud que muchas veces notamos pero no vemos de forma obvia de donde procede.
Para conseguir el equilibrio no siempre ecesitaremos elementos que hagan de contrapunto a nuestro elemento principal, a veces simplemente el buen uso del espacio negativo nos permitirá equilibrar la imagen de forma adecuada.
A pesar de haber solo un elemento principal, la foto esta compensada gracias al buen uso del espacio negativo, que es muy amplio y tiene un peso importante en la imagen.
Composición (VI)
Simetría“una figura tiene simetría si se puede rotar sobre un punto central y conservar la misma apariencia en por lo menos dos posiciones. Por lo tanto, al rotar la figura, esta mantiene su forma o es congruente con la figura inicial. Se dice, entonces que la figura tiene simetría rotacional.”
La simetría en fotografía es una técnica basada en crear una imagen que puede ser dividida en dos partes (casi siempre horizontal o verticalmente), de forma que ambas partes son iguales o muy similares. La simetría ha sido usado en el arte desde hace mucho tiempo, para conseguir transmitir armonía y equilibrio. Puede ser vertical, donde las mitades derecha e izquierda son iguales, u horizontal, cuando las partes iguales son las de arriba y abajo. nos transmiten tranquilidad y equilibrio.
Hay dos elementos que debemos tener en cuenta a la hora de fotografiar simetrías, una composición cuidada y un punto de interés en el encuadre.
El reflejo en el lago y el horizonte centrado nos dan la simetría.
No debemos abusar de las simetrías, ya que si no nuestras fotos serán demasiado iguales, estáticas y aburridas.
Una técnica que
funciona muy bien con este tipo de composiciones simétricas es,
paradójicamente, romper la simetría. La introducción de algún
elemento que rompa la simetría de la imagen nos dará un punto de interés fuerte
a la foto, y hará nuestra composición mucho más atractiva.
Llenar el encuadreSi llenar el encuadre es una técnica que se usa en contraposición a la del espacio negativo. Recuerda que la fotografía es un arte, y que tu decides como será tu imagen final, Cuando estamos haciendo una foto, debemos definir cual será el sujeto principal de nuestra foto, y donde situarlo. Una manera de darle protagonismo al sujeto y eliminar todas las distracciones que pudiese haber en el fondo es llenar el encuadre con nuestro protagonista.
Esta técnica es particularmente importante cuando sacamos retratos de gente, donde queremos resaltar las expresiones faciales o algun pequeño detalle por encima de otra cosa.
