15-12-2014 Efecto de la distacia focal

 

EFECTOS DE LA DISTANCIA FOCAL

 Aprender el uso de la compresión de la perspectiva fotográfica según la distancia focal

 
Muchas veces hemos oído que para realizar fotografía de retrato, que mejores resultados dan son los llamados  objetivos supèriores a 75 mm teleobjetivos ( Por comprensión de perspectiva y profundidad de campo) Aislan a la persona del fondo y restan distraciones
Cada distancia focal varia el angulo, la persona y el fondo. A menor distancia focal mas angulo mas persona y mas fondo (pero con detalles mas pequeños) A distancia focal media distancias cámara de objetivo en fondo se reduce ( el detalle es mas grande) A distancia focal larga usar mas distancia real el fondo se reduce aun mas y los detalles de fondo aun aumenta. Por esto objetivo de distancia focal larga es idónea para foto-retrato
Si cambiamos de postura la cámara combiara el fondo, e aislan el sujeto

Pensar que cada distancia focal, si queremos encuadrar bien, conlleva acercarnos o alejarnos, a medidas que aumenta la DF, tendremos que alejar la cámara del sujeto

 Disferencias de usar una focal u otra

El más apreciable y también conocido es  el angulo de escena captada el ángulo de escena captada. Mientras que a menor focal  10mm se aprecia una amplia zona que con un zoom También los zoom tienen profundidad de de campo más reducidas, lo que redundará en una mayor capacidad de centrar la atención en el sujeto.

Otra, a medida que aumenta la focal, el objetivo necesita un menor  tiempo de exposición para lograr imágenes nítidas.

La distancia entre los planos paralelos al sensor de la cámara a medida que aumenta la focal también da la sensación de que se reduce. Es lo que se conoce como compresión de la escena.

Por último, la distorsión que se produce en la imagen al emplear focales reducidas,  el sujeto está en una posición no centrado. Observa   una cara mucho más alargada y un brazo de mayores Por el contrario, distancias focales mayores logran resultados más planos, menos distorsionados y con un resultado más parecido a la realidad

Qué influencia de factor de recorte

Comentaba que he realizado las fotografías con una cámara con sensor APS-C, ya sabes un sensor con tamaño más reducido de los conocidos sensores full frame (35mm).

Cuando se habla de distancia focal siempre se tiende a poner en juego el conocido  factor de multiplicación o recorte asociado a cada sensor.

 Afecta, pero sólo en lo que se refiere a la distancia a la que tendrás que colocarte para lograr un determinado encuadre y, por lo tanto a la cantidad de escena presente en la fotografía.

Sin embargo, en lo que se refiere a compresión y distorsión no tiene nada que ver el factor de recorte. Es decir, un objetivo con focal de 50mm producirá la misma compresión de planos y distorsión en la escena tanto si se sitúa en una cámara con sensor de 35mm, como si se sitúa en una cámara con un sensor con factor de recorte 1.5x.

La única diferencia será que la porción de imagen captada en el sensor de 35mm será superior. Mientras que en el sensor con factor de recorte 1.5x la porción de escena captada será la equivalente a aquella que captaría el sensor full-frame con un objetivo 75mm (50mm x 1.5).

 Resultados  gran angulares

Si vuelves a la lista de imágenes obtenidas variando la focal puedes observar que la diferencia entre los dos primeros resultados (con un objetivo gran angular) y el resto de imágenes son abismales.

Es decir, que la diferencia en el resultado entre, por ejemplo, 10 y 36mm nada tiene que ver con la diferencia entre 70 y 300mm y así es, el resultado de objetivos gran angulares en fotografía de retrato y en cualquier otro tipo de fotografía ofrece un resultado completamente diferente.

Especialmente en la toma realizada a 10mm se puede ver una tremenda distorsión que permite presentar a un sujeto con un brazo de unas dimensiones muy superiores a las reales (soy bastante delgadito, créeme) y también con una cara algo extraña (demasiada distorsión).

Estos efectos de distorsión en el uso de este tipo de objetivos son mucho más acusados a medida que alejamos al sujeto del centro de la imagen, por lo que si optas por una focal de este tipo, tanto para fotografía de retrato, como para cualquier otro tipo de fotografía, deberás tener esto en cuenta.

Observa las dos imágenes superiores en las que si bien el encuadre y distancia entre sujeto y cámara no son exactamente iguales, sí que se aprecia claramente cómo en la imagen en que la cara está más centrada en el encuadre hay menores distorsiones que en la que se encuentra en una posición más lateral.
Por tanto, si quieres usar estos objetivos para lograr captar una mayor cantidad de escena y ampliar la distancia aparente entre primer plano y fondo (aspectos propios del uso de grandes angulares), pero no quieres un sujeto demasiado deformado, trata de situarle en el centro de la imagen.
Si lo que quieres es magnificar las dimensiones de alguna parte de la imagen, como en este caso con el brazo del sujeto, en este caso deberás buscar una posición alejada del centro, tanto en el plano vertical, como en el horizontal.

¿Cuál es la focal más apropiada para retratos? Dependerá del tipo de plano y del resultado deseado

Existe, por último, otro aspecto a tener en cuenta a la hora de analizar el uso de una focal u otra para fotografía de retrato y es el tipo de retrato que estamos buscando, o, mejor dicho, el tipo de plano a través del que queremos inmortalizar al sujeto.

No es lo mismo un plano general, que un plano americano, que, por ejemplo, un plano detalle. Así, como podrás imaginar, en función del tipo de plano elegido, las focales más apropiadas podrán variar.

A continuación enumero focales mínimas que, en mi opinión, y sobre un sensor APS-C, pueden resultar apropiadas para fotografía de retrato en función del tipo de plano buscado.
Plano general y plano americano: 35mm o superior
Plano medio: 50mm o superior
Primer plano y primerísimo primer plano: 85mm o superior
Plano detalle: 105mm o superior

Esto no es matemático y, de hecho, estoy seguro de que alguno de vosotros no estará de acuerdo conmigo.

¿Por qué? Pues porque además de los factores mencionados también influye el resultado que espera obtener el fotógrafo.

Como ves, yo he descartado objetivos con focales inferiores a 35mm por las distorsiones que introducen en la fotografía. Sin embargo, si estás buscando un efecto diferente, puede ser apropiado su uso.

Por otro lado, puede haber quien me diga que para retrato, sea el tipo de plano que sea, prefiere usar siempre focales por encima de los 85mm para lograr imágenes más planas, en las que esté más claro el centro de atención y con nula distorsión.

Por supuesto, es una elección completamente válida, sin embargo, es posible que las condiciones de la toma no te permitan alejarte tanto, o no haya suficiente luz, por lo que también tendrás que tener esto en cuenta.

En definitiva, lo importante es que conozcas qué te aporta cada focal y no dejes al azar o a la comodidad la elección de una u otra en tus fotografías de retrato. Ya has visto que los resultados serán completamente diferentes.

¿Estás de acuerdo?

Como he venido indicando  hay una serie de efectos y de resultados claramente apreciables al hacer uso de una focal u otra, en función de lo que busques, pueden ser deseados o no.

l4-12-2014 Consejos para Blanco y Negro

 

Cinco consejos que te ayudarán a obtener mejores resultados con la fotografía en B/N

La fuerza expresiva de la fotografía en blanco y negro está fuera de toda duda. Esta es la razón por la que muchos grandes maestros siguen recurriendo a ella, no cambiará por mucho que la tecnología nos ofrezca cada vez sensores capaces de restituir una gama dinámica más amplia.

Actualmente la fotografía en blanco y negro de calidad no solo está al alcance de los profesionales, también los aficionados y los usuarios avanzados pueden experimentar con ella sin dificultad. Eso sí, para utilizarla bien es necesario replantearse el enfoque con el que solemos afrontar las fotografías en color

Apuesta por el blanco y negro

Las sugerencias que os voy a proponer a continuación representan un buen punto de partida para disparar y manipular fotografías en blanco y negro, pero no son más que eso, un punto de partida. Lo ideal es que las toméis y «juguéis» con ellas, pero dejando espacio a la experimentación, sobre todo en lo que concierne a la composición, que es el apartado en el que apenas entraremos en este post.

·  1. Dispara en RAW. Si tu cámara te lo permite, utiliza este formato y prescinde del JPEG. En la fotografía en blanco y negro el formato RAW nos ofrece exactamente lo mismo que en color: la posibilidad de realizar ajustes finos poco o nada destructivos y recuperar más información, lo que mejorará el nivel de detalle de nuestras fotografías.

·  2. Buena parte de las cámaras relativamente modernas permite disparar en blanco y negro, pero desaconsejo esta opción si optáis por disparar en JPEG.

·  3. Al disparar de día puede ser interesante utilizar un filtro polarizador, que, por un lado, nos ayudará a combatir los reflejos que producen las superficies reflectantes como el cristal o el agua, y, por otra parte, puede ayudarnos a conseguir un contraste ligeramente mayor, algo que en fotografía en blanco y negro nos viene muy bien. Eso sí, debéis tener en cuenta que absorbe un poco de luz, por lo que podéis veros obligados a optar por exposiciones más largas.

·  4. Otra forma de incrementar el contraste que en algunas fotografías en blanco y negro funciona consiste en usar ligeramente el HDR. Algunas cámaras permiten aplicar este efecto de forma automática, pero descartaría esta opción. Es preferible que juguéis con él desde la aplicación de edición para que lo apliquéis en la medida que os interese. No siempre queda bien, y, cuando lo hace, soy partidario de utilizarlo en una «dosis» muy comedida para no empobrecer la calidad de imagen introduciendo artefactos.

·  5. La fotografía en blanco y negro acentúa el protagonismo de las líneas, los bordes de los objetos y las sombras, y las superficies habitualmente pierden interés por su mayor uniformidad. Tenedlo en cuenta a la hora de sopesar la composición de vuestras fotografías para sacar el máximo partido posible a estos elementos. Os permitirán incrementar la fuerza expresiva de vuestras instantáneas.

3. Mezcla los canales

Si nos decantamos por el canal rojo en el método de selección de uno de los tres canales RGB en el que profundizamos en la primera parte de este post, incrementaremos el dramatismo de la toma. Esta opción puede resultar muy apetecible, pero en algunos casos puede no ser lo que estamos buscando.

Una buena forma de realzar el cielo y mejorar el aspecto general de un paisaje consiste en utilizar el filtro de color naranja que emplean muchos fotógrafos especializados en paisajes. Su dramatismo no es tan intenso como el de un filtro rojo, y la estética de la imagen es muy atractiva. Precisamente, este es el filtro que os proponemos aplicar en esta ocasión.

Lo primero que haremos es hacer clic en los menús Imagen y Ajustes, para, a continuación, pinchar en Mezclador de canales. Ahora debemos habilitar la casilla Monocromo y seleccionar una proporción de los canales rojo, verde y azul que nos satisfaga (el filtro naranja podemos obtenerlo mezclando los colores primarios rojo y verde en distinta proporción). No obstante, comprobad que la suma de los porcentajes de los tres canales es 100, pues, de lo contrario, alteraremos la luminosidad de la imagen.

Para concluir, dirigíos de nuevo al menú Imagen, pero, en esta ocasión, pinchad sobre Modo. Rematad la faena seleccionando la función Escala de grises.

 4. Manipula las capas de ajuste

El último método que os proponemos en este post es el que, a nuestro juicio, suele ofrecernos el mejor resultado debido a que respeta buena parte de la información de la imagen original y ofrece un resultado con mucho volumen.

Lo primero que debemos hacer es crear una capa de ajuste dirigiéndonos al menú Capa y haciendo clic en Nueva capa de ajuste. Ahora, pincharemos en la función Tono/Saturación y aceptaremos en OK. Después, crearemos una segunda capa de ajuste exactamente de la misma forma, y, cuando la tengamos preparada, modificaremos el parámetro Saturación asignándole el valor -100 para desaturar totalmente la imagen.

A continuación, seleccionaremos en la paleta de capas la primera capa de ajuste que creamos y cambiaremos el modo de fusión a Color. Si hacemos doble clic sobre esta misma capa podremos manipular el control deslizable Tono hasta asignarle el valor que nos proporciona el acabado que más nos gusta.

Para concluir solo tenemos que completar el ajuste del tono modificando la saturación hasta que consigamos el resultado que queremos. Y remataremos este procedimiento acoplando las dos capas desde el menú Capa/Acoplar capas, y convirtiendo a escala de grises desde Imagen/Modo/Escala de grises.

14-12-2014 Consejos para amanecer anochecer

 

AMANECER y ANOCHECER

Son imágenes con tonos cálidos donde vemos aparecer o desaparecer el sol, con largas sombras y tonalidades naranjas, rojas y amarillas.

Consejos básicos.

1.Comenzamos la localización de donde queremos hacer la foto,  buscar un escenario que sea atractivo y averiguar por donde sale el sol.
2 .averiguar a qué hora amanece, y las previsiones climatológicas..
3 madrugar y preparamos nuestro equipo, instalamos el trípode, y vamos configurando la cámara.
4 Yo soy partidario de enfocar a mano, buscando un punto de enfoque cerca del horizonte
5 trabajar con un objetivo de focal gran angular  para captar imágenes panorámicas,  y un pequeño teleobjetivo para capturar el sol apareciendo por el horizonte.
6 Configuro el balance de blancos en una temperatura de color que ronde los 5000 grados Kelvin y asi enfatizar los colores, y a esperar.
7 fotografiar las luces, los diferentes cambios de las sombras y si hay nubes estar pendientes de ellas, pues suelen tomar tonalidades muy interesantes.

Algunos consejos importantes.

-  Es imprescindible llevar un trípode.
-  Tanto a primera hora del día como al anochecer baja la temperatura, así que hay que abrigarse bien.
-  Llevar las baterías cargadas y tarjetas de memoria.

14-12-2015 El color en la fotografia

 

20 Trucos Para Jugar con el Color en tus Próximas Fotografías

La mayoría de nosotros hemos nacido en la era del color. Saber “hablar en color” no significa saber “escribirlo”, para eso hay que conocer un poco el “abecedario de colores” que por suerte es mucho más corto que el de nuestra lengua materna
Teoría básica sobre el color
Tono: Es el color propiamente dicho.
Brillo o luminosidad: Se relaciona con la claridad o la oscuridad de un tono. Cuanto más brillo, más claro aparecerá, y cuanto menos brillo, más oscuro .
Saturación: Es el grado de pureza del color. A más saturación más pureza de color, y a menor saturación colores más “apagados” hasta llegar al mínimo que está considerado como gris neutro.
Círculo cromático: Se utiliza para la clasificación de los colores a partir de la combinación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), y de los secundarios (verde, naranja y violeta)
Colores complementarios: Son aquellos que se encuentran situados “cara a cara” en el círculo cromático; los opuestos. La combinación de estos produce un fuerte contraste entre ellos.
Colores cálidos: Naranjas, amarillos, marrones, dorados, rojos… Todos ellos son colores “cálidos” porque suelen llevar asociada una sensación subjetiva relacionada con la calidez.
Colores fríos: Verdes, azules, y violetas. Como su nombre indica, provocan una sensación subjetiva asociada al frío.
Colores armónicos: Los colores que funcionan bien juntos, que se acompañan sin contraponerse o contrastar entre ellos. Una combinación de diferentes colores cálidos crearía una imagen armónica basada en la calidez, por ejemplo.

 20 trucos para que obtengas maravillosas imágenes en color y Trucos Para Jugar con el Color en tus Próximas Fotografías

1. Espacio de color
Independientemente del resultado que quieras obtener, cuando dispares en color, es recomendable que ajustes el espacio de color a Adobe RGB.
 La mayoría de cámaras digitales vienen con sRGB por defecto ya que este formato ocupa menos espacio, pero con Adobe RGB, la cantidad almacenada de color es mayor, y por lo tanto mayor es su detalle, su aproximación, y su exactitud.
 2. Balance de blancos
Otro ajuste que deberías realizar antes de plantearte tomar imágenes en color, es el balance de blancos, sobre todo si no disparas en RAW. EL balance de blancos no es más que la temperatura del color. Hay luces cálidas anaranjadas, amarillentas, luces frías azuladas o verdosas. Puedes corregirlas hasta conseguir un tono neutro en tu imagen o puedes jugar con esos mismos tonos, para obtener imágenes diferentes.
3. Controlar la exposición
Como fotógrafo, una de las cosas que seguro que te lleva de cabeza es aprender a controlar la exposición. Puede ser un error pequeño o un craso error, pero la verdad es que cualquier ajuste que realices para modificar la exposición en tu imagen, alterará los colores originales de la imagen, así que si no quieres que eso suceda, si quieres ser lo más fiel posible a la imagen que tienes ante ti, procura exponer de la forma más precisa posible.
4. Color en clave alta
Las imágenes en clave alta, son aquellas en las que domina la luz, el blanco, la claridad. Aquellas que nos inspiran sentimientos positivos o pureza. Por eso es fácil ver esta técnica asociada a imágenes de niños o bebés, pero la verdad es que puedes usarla en cualquier contexto; sólo necesitas un fondo blanco y mucha luz.
5. Color en clave baja
El color en clave baja nos transmite lo contrario a la clave alta. Ésta se basa en la oscuridad, el misterio, la fuerza o la elegancia. Poca luz o fondo negro
6. El espacio negativo
El espacio negativo es un elemento más de la composición de tus imágenes. Se basa en distribuir la imagen  a través de un elemento principal o centro de interés, y un espacio más o menos amplio “vacío” o con poca información, de modo que este espacio “negativo”, realce el elemento principal o “espacio positivo” dentro de la composición.
7. Fotografía macro
La fotografía macro ha llamado tu atención. La es escala es fascinante,el “desenfoque” tan agudizado que provoca y que nos regala imágenes de un bonito efecto pictórico. Si te gusta el efecto que crean los colores de fondo bien difuminados, prueba a abrir el diafragma al máximo para reducir la profundidad de campo y conseguirás un efecto no tan acusado como el macro, pero más asequible si no practicas este tipo de fotografía.
8. ¿Monocromo y color? ¿Cómo?
Como fotógrafo a todos nos gustan las imágenes que nos sorprenden de algún modo. No  tan solo sea extraña, si no con un elemento que destaque por encima del resto para activar nuestro interés. Hay muchas cámaras que permiten escoger un color de la imagen para mantenerlo y el resto de la imagen la transforman a blanco y negro. También lo puedes hacer de forma bastante sencilla en Photoshop y otros programas de retoque de imágenes. Y si no dispones de ninguna de las anteriores opciones o no te apetece utilizarlas, puedes buscar un puñado de piedras grises y una cereza, todo es cuestión de imaginación.
9. Contraste y colores complementarios
Los colores complementarios como los que se contraponen en el círculo cromático. Estos colores combinados entre sí, poseen el mayor grado de contraste visual que puedes conseguir en una imagen en color. Por ejemplo, el amarillo y el azul son complementarios. Si los combinas en una imagen tendrás una imagen de mucho contraste donde ambos elementos quedarán realzados por la combinación con su color opuesto, para generar contraste
10. Mezcla de colores cálidos y fríos
Visualmente hablando, los colores fríos “retroceden” y los cálidos “avanzan” en la imagen
11. Crea tus propias composiciones en color
Muchas veces las mejores imágenes son las mas sencillas; aquellas que cualquiera con algo de ganas, imaginación y ojo fotográfico puede construir en poco tiempo y en cualquier lugar
12. Luces y sombras
El color es un elemento más de la composición, y como tal, no debes olvidar combinarlo con otros elementos que añadan interés a tu imagen.
 Los juegos de luces y sombras pueden proporcionarte imágenes magníficas dignas de el mejor cuadro impresionista Color y sombras
13. Efecto Bokeh
Si:
a) Tienes un objetivo con una buena apertura de diafragma
b) Te gusta probar cosas nuevas
c) Tienes un trípode
d) Te gusta la imagen que verás a continuación Entonces tienes que probar el efecto bokeh, te va a encantar, y los resultados en color son increíbles
14. Filtros
Para aumentar el contraste, eliminar brillos, resaltar los colores cálidos o los fríos de una escena, para fotografía infrarroja o para efectos artísticos. Si disfrutas de la fotografía en color, en algún  momento tendrás que echar mano a uno de los filtros que se recomiendan en este artículo.
15. ¿A todas horas?
Si te gusta la fotografía en color no puedes perderte la maravillosa luz de un amanecer o un atardecer. Los colores, las texturas, la luz que se respira en esas horas es única, no la desaproveches. La fotografía se puede practicar a todas horas, pero no todas las horas te regalarán las mismas imágenes.
16. Reflejos
A estas alturas ya habrás descubierto las bondades de elementos como sombras o reflejos para mejorar tus composiciones y para hacerlas más interesantes
17. Cuenta una historia en color
Las mejores imágenes son siempre las que nos explican algún concepto que nos llega o que podemos entender. Siempre lo decimos y no creo que nunca nos cansemos de hacerlo. Tus imágenes deben hablar, deben explicarnos algo, deben conmovernos, hacernos sonreír o provocarnos aversión, pero debemos sentir algo cuando las miremos. Y tú eres el encargado de transmitirnos esa emoción.
 18. Color y emoción
Los colores tienen cada uno muchas emociones asociadas. No transmite lo mismo un rojo que un verde o un amarillo que un azul. Veamos por encima cómo cada color conlleva o provoca unos sentimientos particulares.
Rojo: Pasión, calor, peligro, prohibición, riesgo y fuerza.
Azul: tranquilo, frío, responsable, cielo y mar.
Amarillo: Alegre, brillante (es el color más brillante de todos), agresivo, vigoroso.
Verde: El color de la naturaleza por antonomasia, pureza, crecimiento, progreso.
19. Arco iris
La naturaleza siempre nos regala imágenes maravillosas a los amantes de la fotografía en color. Sus árboles de infinitas tonalidades en otoño, el nacimiento de sus flores en primavera, sus insectos de colores y diseños imposibles… pero también sus fenómenos atmosféricos llenos de colores como el arco iris. Si no tienes suerte a la caza de este bonito fenómeno ¿Por qué no te das una bañera? ¿O la preparas contigo fuera? las pompas de jabón son capaces de reflejar los mismos colores que el mejor de los arco iris que hayas visto. (Si es que el que no practica a todas horas es porque no quiere…)
20. Practica (tú)
Este truco es el mejor de todos, el que más te va a ayudar,  enseñar,  motivar e inspirar. Sin éste no somos nada. Sin éste, la cámara volvería a su caja original en menos tiempo del que tardamos en cambiar de zapatos. Para ser mejor, para entender la luz, para liberarte de reglas y normas y tutoriales e interrogantes infinitos… hay que practicar. Y mucho. Hasta que te hartes… y vuelvas a empezar,  porque verás, apasionado o apasionada de la fotografía, las pasiones no se dejan así como así, siempre acaban volviendo y a veces incluso hasta con más fuerza, porque cuando algo nos conmueve es por algo. Seguro que no te estoy hablando de nada que no te suene.

La perspectiva para dar profundidad a tu fotografía

 La  perspectiva  es una ilusión fotográfica aprovechando la profundidad de la imagen. el horizonte es exencial determinarlo donde ira, para dirigir adecuadamente los elementos que nos dan la perspectiva

La perspectiva lineal

Provocada por la convergencia de las líneas.aun que sean leneas paralelas, que vistas desde un angulo parecen converge, cuantas más líneas tenga la fotografía, más acusada tiende a ser la sensación de profundidad
Se potencian con el ángulo de visión. Los mas indicados son los ángulos picados
 Por el contrario, el ángulo de visión situado al mismo nivel que el sujeto, pueden llegar a eliminar la sensación de profundidad.
La focal utilizada. U teleobjetivo acostumbra a aplanar las imágenes reduciendo la sensación de profundidad de éstas; los gran angularesnos ayudarán a darle más fuerza a estas líneas convergentes

La perspectiva aérea

Se debe tener encuenta diferencia de tonalidad y nitidez entre los elementos más cercanos y los que se encuentran más cerca del horizonte, los objetos menos nítidos, y con un color menos saturado y los tonos azules son considerados por el ojo humano como objetos más lejanos.
Este tipo de perspectiva es más complicada de potenciar, pues depende de elementos ajenos a nuestro equipo fotográfico, como la distancia real que haya entre el objeto a fotografiar y la cámara o las partículas que haya en el aire. Pero si conocemos esto, nos será más fácil deducir en qué situaciones la perspectiva aérea será más forzada: tormentas de arena, lluvia, niebla, neblina… serán los ambientes perfectos para forzar un poco más la perspectiva aérea.

Perspectiva Forzada

 Podemos jugar con ella para hacer composiciones que lleguen a engañar al ojo humano para que no sepa la distancia que hay entre dos objetos o, simplemente, para que piense que la distancia es una cuando en realidad es otra. Dispones de hasta tres maneras de engañar el ojo:
A)     La posición de los objetos
Cuando un objeto tapa a otro significa que el objeto “tapador” está más cercano a la persona que lo mira que el objeto “tapado”. Así pues, si lo que queremos es engañar el ojo para que no sepa distinguir la distancia entre dos objetos, podemos intentarlo construyendo la fotografía de manera que ninguno de los dos quede por delante (en el encuadre) que el otro.
B)     El tamaño de los objetos
Para el cerebro humano, grande es cerca y pequeño es lejano. Pero ¿qué pasa si el cerebro no puede saber si algo es grande o pequeño? Intenta aplicar esto a la fotografía y tendrás una imagen que desorientará a todo aquel que la mire.
C)     La definición de los objetos
Es decir, el grado de enfoque que tengan. Por norma general, cuando utilizamos una profundidad de campo pequeña para una fotografía, solemos enfocar el elemento que está más cercano a nosotros. De manera que enfocado suele ser cercano y desenfocado, lejano.

Peo si cerramos diafragma y utilizamos una profundidad de campo grande, estaremos consiguiendo que todos los elementos de la imagen queden “en el mismo plano” eliminando así, en cierto modo, la sensación de profundidad.

Por otro lado, si optamos por enfocar un objeto que no sea el más cercano a la cámara, conseguiremos una fotografía que llame más la atención y, probablemente, que tenga mucha más profundidad a ojos del espectador.
 Por supuesto, a la hora de empezar a practicar esto, verás que en la perspectiva de una fotografía no actúa el tamaño de los objetos de manera independiente de su definición o posición
Si quieres aprender a jugar un poco más con la perspectiva, ¡recuerda que en dZoom te dimos 6 consejos para hacerlo!

Composición con perspectiva

 

Uno de los aspectos que tenemos que tener en cuenta a la hora de componer nuestras imágenes antes de apretar el disparador es la perspectiva. Con la perspectiva, podemos agregar profundidad a nuestras imágenes, pero para lograr esto primero tenemos que determinar un horizonte, una línea en el espacio que nos permite administrar los tamaños.

La línea del horizonte puede estar incluso ubicada fuera de la toma, pero es importante que esté. Mientras más cercana está al centro de la composición, más sensación de profundidad tendrán las imágenes. Si la línea del horizonte está completamente centrada, entonces no tendremos ya esta profundidad, y nos estaremos manejando de vuelta en dos dimensiones, algo no recomendable. La perspectiva se puede ajustar de esta forma para poder obtener los efectos que estamos buscando.

Imaginemos una carretera. Desde el punto en el que estamos parados, consume prácticamente todo nuestro campo de visión. Pero va disminuyendo hacia el horizonte, quedando como un punto minúsculo a la distancia. Así es como funciona la perspectiva.
El uso de la perspectiva es fundamental en, por ejemplo, la fotografía de paisajes, pero tiene que ser considerado también en todas las tomas que hacemos. Por ejemplo, cuando fotografiamos un paisaje es preferible usar una apertura pequeña con un alto valor f, para crear la mayor profundidad de campo posible, y tener una enorme perspectiva. Podemos jugar también con el enfoque, que en estas condiciones es algo complicado de mantener en el cuadro completo, y puede ayudar a crear un efecto fantástico. Si, por el contrario, estamos tomando una fotografía de un objeto grande, necesitaremos más profundidad de campo. La mejor forma de hacerlo es poner algo de distancia entre el objeto y la cámara. Por otra parte, si el objeto es pequeño, como en la fotografía macro, tendremos que optar por una profundidad de campo más superficial.

Lo importante en la composición con perspectiva es experimentar con diferentes opciones para buscar la profundidad que necesitamos. No hay una receta que funcione en todas las oportunidades. Si dicha receta existiera, no tardaríamos mucho en romperla en mil pedazos para encontrar algo más interesante y lúdico. Una vez que comprendemos la importancia de la perspectiva, podemos avanzar más y más para crear composiciones excelentes.

Cuando estamos haciendo una toma, por otra parte, tenemos cinco ángulos a través de los cuales podemos jugar con la perspectiva de una toma.

1.    Ángulo normal: se establece cuando la cámara está al mismo nivel que los ojos del sujeto a fotografiar, o en línea recta al paisaje. Es como trazar una línea imaginaria entre el sujeto y la cámara, que se encuentra de forma paralela. El horizonte se encuentra en línea con la cámara.
2.    Ángulo picado: en este caso estaremos ubicando la cámara por encima del sujeto a fotografiar, de los ojos en el caso de las personas, o superior al nivel de nuestra altura en el caso de los paisajes. Así, ubicamos al horizonte en la mitad superior del encuadre. Se usa generalmente cuando fotografiamos objetos pequeños.
3.    Ángulo cenital: en este sentido, estamos colocando la cámara completamente por encima del sujeto, en línea vertical por encima de la persona o desde la azotea de un edificio, por ejemplo.
4.    Ángulo contrapicado: con este ángulo colocamos la cámara por debajo de la línea de horizonte, o por debajo de los ojos del sujeto, para colocar el horizonte en la mitad inferior del encuadre. Da una sensación de grandeza al sujeto, por lo que muchas veces se usa en retratos de personalidades importantes.
5.    Ángulo nadir: usado en su gran mayoría en la fotografía de arquitectura, es el opuesto al ángulo cenital, poniendo la cámara por debajo del sujeto a fotografiar.
Con estos cinco ángulos básicos, podemos comenzar a experimentar de diferentes formas con la perspectiva. Tomamos la línea de horizonte y partimos de allí; la imaginación es el límite.

 No quedarse parado

Esta frase que tan importante es en muchísimos aspectos de la vida, también lo es a la hora de utilizar la perspectiva en nuestras imágenes. Estamos acostumbrados a la perspectiva que nos ofrecen nuestros ojos, pero esta perspectiva no es la única que existe. Moverse, buscar nuevos ángulos de visión para analizar cómo cambia la perspectiva, utilizar distintas focales. No quedarse parado con aquello que tenemos en general es lo que nos proporcionará fotografías con una nueva manera de ver el mundo.

 

Perspectiva en Fotografía:  Sacarle el Máximo Provecho

 Uno de los componentes clave de la fotografía es aprender cómo afecta la perspectiva en cada fotografía.

La perspectiva en la fotografía se refiere a la dimensión de los objetos y la relación espacial entre ellos. También se refiere a la posición del ojo humano en relación con los objetos en una imagen. Cuanto más lejos está un objeto al ojo humano, más pequeño se vuelve.
Además de hacer que los objetos se vean cada vez más pequeños, todas las líneas en una imagen parecerán juntarse cuanto más lejos de la mirada del espectador estén, o cuando estén cerca del horizonte en la distancia.
Por lo tanto, la perspectiva de la fotografía puede cambiar cómo se ve la forma de un objeto, según el tamaño del objeto y la distancia este a la cámara. Esto se debe a que la perspectiva no se determina por la longitud focal, sino por la distancia relativa entre los objetos.

Otra definición es que la perspectiva es la forma en que el fotógrafo ve los objetos en el marco de la cámara dependiendo de cómo se coloque la misma.

El mismo objeto tendrá diferentes perspectivas si se fotografía desde la altura de los ojos, desde arriba o desde el suelo. Al variar el angulo desde el que disparas, cambia la ubicación de la línea del horizonte, y como consecuencia cambia la percepción de la escena.

Por ejemplo, si colocas la cámara en el suelo para tomar una foto de cuerpo entero de una persona, y colocas la cámara hacia arriba para llenar el marco con el sujeto, éste aparecerá mucho más amenazador, poderoso y grande que si el cámara se pone al nivel del ojo.

Otra forma de ver como cambia la perspectiva es utilizar posiciones de cámara que son atípicas a lo que ve el ojo humano. Como por ejemplo, desde el cielo, como si fueras un pájaro,de esta menera lograrás ángulos extremadamente altos que cambiarán la dinámica de tu composición.
Tamaño
Una de las mejores maneras de determinar la perspectiva dentro de una toma es midiendo a través de la escala, comparando los objetos dentro de una imagen.

Como fotógrafos, podemos asegurarnos de que haya objetos reconocibles dentro de nuestras imágenes que ayudarán a las personas que las miren a apreciar la magnitud de la toma.

En los paisajes, a menudo se incluyen elementos de los que intuitivamente sabemos el tamaño, como árboles o cercas. Estos elementos son generalmente suficientes para dar escala a la imagen.

Pero si tenemos que hacer una fotografía en un lugar donde no hay nada por el estilo, como un desierto o una montaña, es posible esperar a que alguien pase por allí o pedirle a un amigo que se ponga en un lugar determinado, ya que sin tener en cuenta medidas exactas, los seres humanos son todos más o menos de un tamaño constante y por lo tanto, si se incluye a una persona en un paisaje de una montaña, el espectador será capaz de relacionar ambos, juzgando así lo grande que es la montaña.
No sólo su presencia dará escala de imagen, sino que también le dará al espectador algo para concentrarse, un centro de interés.
Del mismo modo, puedes utilizar árboles, animales, un coche o cualquier cosa que sea reconocible y de un tamaño relativamente consistente.

Perspectiva lineal

Esta técnica es más o menos como lo sugiere el nombre. Se utilizan las líneas en una imagen para crear una sensación de profundidad. La mejor manera de utilizar esta técnica es encontrar dos líneas convergentes, como una vía de tren.

Las vías van a parecer como si estuvieran acercando entre sí poco a poco a través de la toma, como si la distancia entre ellas fuera cada vez más estrecha, lo que no sólo añade una sensación de profundidad, sino que también guía el ojo a través la imagen.

Para maximizar su efecto, trata de disparar desde un punto bajo, por lo que las líneas aparecen como si estuvieran empezando bien separadas.

Distancia y zoom

Independientemente del tipo de cámara que estés utilizando, acercarse o alejarse también puede influir en la perspectiva de la toma, al igual que la posición desde la que se dispara.

Puedes enfocar más de cerca cuando trabajes con un gran angular, haciendo que los objetos en primer plano parezcan mucho más cerca y más grande que los que están más alejados, mientras que el acercamiento o el uso de un teleobjetivo tiene el efecto de aplanamiento o comprimir la perspectiva, haciendo que los objetos distantes parezcan más cerca de aquellos en el primer plano.

Una vez que entiendas estos principios, puedes utilizar tu posición y la longitud focal – o el objetivo, si estás utilizando una cámara réflex – para cambiar la perspectiva dentro de una escena.

Por ejemplo, podrías usar un gran angular para enfatizar el aislamiento de un objeto en la distancia, o un teleobjetivo para hacer la multitud en un mercado parezca aún más llena y caótica. También puedes acercarte o alejarte para crear más o menos distancia entre los diferentes elementos , dando a la imagen una sensación diferente.
Perspectiva forzada
La perspectiva forzada es una ilusión fotográfica generalmente utilizada para hacer dos o más objetos parezcan tener un tamaño diferente que su tamaño real.
Este tipo de perspectiva forzada se hace posible por el lente de la cámara. A diferencia de nuestros ojos, los cuales trabajan en conjunto para crear la percepción de profundidad, la cámara sólo tiene un ojo. Como tal, la cámara no tiene la percepción de profundidad, ve las cosas planas.
Esta técnica no sólo se utiliza en la fotografía, si no también en vídeo, tanto por aficionados como por los profesionales.
Se utiliza en la arquitectura y el paisajismo para crear la “ilusión” del espacio. Por ejemplo, en la antigua Grecia, construyeron las columnas más estrechas en la parte superior para crear una ilusión de más altura.

Ahora ya sabes algunos trucos que puedes que hacer para aprovechar mejor la perspectiva en tus fotos y crear imágenes que destaquen.
La próxima vez que estés haciendo una foto piensa en esto y prueba a usar perspectivas diferentes para ver como puedes sacar el máximo provecho de este concepto que a veces se nos olvida a la hora de componer una fotografía.

 

2-11-2014 Ocasiones para subir Iso

 

 Ocasiones en las que debes subir ISO

Algunas ocasiones en que es recomendable elevar la sensibilidad ISO a valores superiores a los que habitualmente podríamos definir como adecuados.

 1 Cuando usamos focales largas a pulso

El tiempo de exposición se dertermina con el inverso de la focal, si se usa una focal alta 300 mm, el tiempo seria 1/300 seg, pero si se emplea una apertura no amplia, la iluminación será insuficiente, por lo que habrá que elevar el iso

En resumen al usar objetivos de cierta focal sube el iso, hoy dia con teleobjetivos que tienen sistema de estabilización, permiten emplear tiempo de exposion superiores a la inversa de la distancia focal

2 Cuando queremos congelar altas velocidades

Piensa en fotografía deportiva, fotografía salvaje, insectos, pájaros, etc. 
En definitiva, sujetos de lo más movido para los que necesitas tiempos de exposición lo suficientemente pequeños como para congelar el movimiento.

Habitualmente, tendemos a abrir el diafragma al máximo para aprovechar la luz, pero esto no suele ser suficiente para utilizar tiempos de exposición reducidos y conseguir exponer adecuadamente. Por ese motivo, subir el nivel de sensibilidad nos permite reducir un poco la apertura para asegurar el foco y, por supuesto, utilizar un tiempo de exposición que permita congelar la imagen.

¿Qué me dices de imágenes de insectos batiendo sus alas, o de coches de carreras que deseas sacar completamente congelados? Puede ser adecuado utilizar tiempos de exposición cercanos a 1/2000 seg. o inferiores. Por lo que incrementar la sensibilidad deja de ser una opción para convertirse en una obligación.

3 En fotografía nocturna. Cielos

En situaciones de escasa iluminación, el iso es el elemento que permite que la apertura y tiempo exposición sean los adecuados  No obstante, con un trípode y si la escena lo permite, podemos no tener que recurrir a elevar la sensibilidad ISO a fuerza de utilizar tiempos de exposición prolongados. Pero, claro, la escena y el movimiento en la misma (o más bien la ausencia de éste) debe permitirlo

 En la fotografía de cielos con estrellas la sensibilidad ISO debe elevarse para evitar que la rotación de la Tierra origine que las estrellas aparezcan movidas en el cielo, salvo que éste sea el efecto que se busque, como en la técnica de star trails Quien dice estrellas, dice cualquier otro elemento con iluminación propia, o bien iluminado y que pueda moverse (como en la fotografía de portada del artículo con el agua).

Si quieres que tus estrellas “no se muevan”, en función de la focal y la apertura a la que dispares deberás utilizar valores de sensibilidad ISO no inferiores a ISO 800. Por lo que es otra situación en que el empleo de una sensibilidad ISO más elevada de lo normal debe ser asumido con total normalidad.