La perspectiva fotográfica, da mejor  profundidad a tus fotografías  Loading ...

  La fotografía  es plana tiene dos dimensiones aun que esto es a si, aparece la profundidad de campo que es una ilusión óptica debido a la perspectiva 

¿Qué es la perspectiva?

Es una ilusión óptica a través de la cual los objetos de tres dimensiones pueden reproducirse en una superficie de apenas dos dimensiones.

Para crear una perspectiva es indispensable que es el Horizonte y donde esta este
Que es el horizonte 
 es la línea evidente que se separa tierra de cielo. En muchas ocasiones, el horizonte verdadero es tapado por árboles, edificios o montañas. La intersección que resulta de la tierra y del cielo en lugar de otro se describe como horizonte visible.

 
 

Dicho esto, la curvatura que apreciamos en muchas de nuestras fotografías cuando tenemos un horizonte visible, ¿a qué se debe? Pues vemos que no es debida a la curvatura de la Tierra. Se debe a la distorsión de barril. Distorsión que es más acusada en aquellos objetivos denominados angulares o ultra-angulares.
Nos lo comentaba nuestro compañero Jose Barceló en su serie especial sobre el uso de los objetivos: “Es uno de los aspectos que más se acentúan a medida que disminuimos la distancia focal. Veremos que en la fotografía las líneas rectas se vuelven curvas, especialmente en los bordes de la imagen. Cuanto más cerca se encuentren los elementos de la fotografía, más le afectará esta distorsión”. Cuanto más cerca, sí pero no por eso, en el horizonte que está lejos deja de existir esa curvatura, es menos acusada, pero existe.

La Perspectiva Lineal

Son líneas paralelas que según el angulo de visión hace que se vean convergentes que se dirigen al horizonte fijado, cuantas más líneas haya en nuestra fotografía, más acusada tiende a ser la sensación de profundidad.

 ¿Cómo podemos potenciar la perspectiva lineal? Tienes dos opciones:

     El ángulo de visión.que más te ayudarán a potenciar las líneas convergentes serán los A los picados y contrapicado.  Los situados al mismo nivel del sujeto (cenit o nadir) llegan a eliminar la profundidad de campo

La focal utilizada tiene influencia, los tele da imágenes planas y reducen la profundidad, el gran angular da fuerza a las líneas convergentes

La Perspectiva Aérea

Da diferentes tonalidad y nitidez entre elementos cercanos y los que se encuentran mas cerca del horizonte Los mas cercanos son menos nítidos y color menos saturado y mas los tonos azules dan al ojos sensación de mas lejanos

 

Este tipo de perspectiva es más complicada de potenciar, pues depende de elementos ajenos a nuestro equipo fotográfico, como la distancia real que haya al objeto a fotografiar y de las partículas que haya en el aire..

La perspectiva forzada

La perspectiva no es sólo algo inevitable que podemos potenciar o intentar anular, para jugar con ella y hacer composiciones que engañen al ojo humano, no sabiendo la distancia que hay entre dos sujetos

Dispones de hasta tres maneras de engañar el ojo:

La posición de los objetos
El objeto tapador esta mas cerca que el objeto tapado. Podemos engañar el ojos humano para que no sepa la distancia entre ambos, haciendo que los dos no queden uno por delante del otro mediante el encuadre

El tamaño de los objetos

Para el cerebro humano, grande es cerca y pequeño es lejano. Pero si el cerebro no puede saber si algo es grande o pequeño.Intenta aplicar esto a la fotografía y tendrás una imagen que desorientará a aquel que la mire.

La definición de los objetos

Es decir, el grado de enfoque que tengan. Cuando utilizamos una profundidad de campo pequeña para una fotografía, solemos enfocar el elemento que está más cercano a nosotros. De manera que enfocado suele ser cercano y desenfocado, lejano.

Pero si cerramos diafragma y utilizamos una profundidad de campo grande, estaremos consiguiendo que todos los elementos de la imagen queden “en el mismo plano” eliminando así, en cierto modo, la sensación de profundidad.

Por otro lado, si optamos por enfocar un objeto que no sea el más cercano a la cámara, conseguiremos una fotografía que llame más la atención y, probablemente, que tenga mucha más profundidad a ojos del espectador.

Por supuesto, a la hora de empezar a practicar esto, verás que en la perspectiva de una fotografía no actúa el tamaño de los objetos de manera independiente de su definición o posición, por ejemplo.

De hecho, la mayoría de veces nos encontraremos que aquello que está lejano está, a la vez, tapado por otros objetos más grandes y más enfocados. Pero el hecho de conocer la teoría nos servirá para, en algún momento, poder jugar con ella.

dominar  perspectiva forzada
La perspectiva forzada es una técnica que engaña al ojo al crear una ilusión para crear algo que parece imposible; pero que la creatividad y la fotografía vuelven posible.

La perspectiva forzada puede ser un ejercicio muy interesante para la imaginación y la creatividad y se pueden crear fotografías verdaderamente sorprendentes. La composición es el principal elemento en este tipo de trabajos.

Cómo se logra

El punto central es mezclar el fondo de la fotografía con el primer plano, aparentar que algún elemento del fondo tiene la misma importancia visual que uno del primer plano. Generalmente estos dos elementos tendrán diferencias de tamaño considerables, y es esto precisamente lo que creará la ilusión óptica que es característica de estas composiciones. Para lograr los efectos más dramáticos hay que considerar los siguientes puntos:

1. Composición

Para que esta técnica funcione es necesario tomarse el tiempo para componer la fotografía de forma que los elementos principales se encuentren en el lugar preciso del encuadre. Hay que tener creatividad para analizar el fondo con una idea en mente, para después pedir al modelo que se coloque en posición, en este momento hay que mover la cámara despacio para “conectar” los dos elementos principales de la composición. Se puede crear un efecto interesante al intentar empujar, sostener, recargarse en o hasta comerse a uno de los elementos de la composición. El colocar la cámara en el lugar correcto hará una gran diferencia 

 2. Zoom

Un zoom alto te da más libertad a la hora de componer la fotografía y al momento de colocar a los elementos principales, además, puede crear una perspectiva forzada muy dramática debido a que la larga distancia focal “aplana” la fotografía haciendo que los elementos del fondo y del primer plano aparezcan más cerca uno de los otros.

3. Apertura

Es un factor importante considerando que, en la mayoría de los casos, tanto el fondo como el primer plano deben estar enfocados. Teniendo esto en cuenta, el usar un número f muy pequeño (abertura muy grande) no dará buenos resultados, por lo que es recomendable usar una abertura mayor a f/5.6 como valor inicial y realizar una prueba. Si el fondo no aparece suficientemente nítido, cierra más el diafragma y prueba nuevamente. Como las reglas se hicieron para romperse, la excepción a esta regla no oficial es “Toy´s Big Dreams” aquí abajo.

 

4. Velocidad de obturación

prescindir de un tripie y usar únicamente las manos para sostener la cámara ofrece la mayor flexibilidad para encontrar el punto exacto al tomar estas fotografías. Como regla de cajón puedes utilizar la longitud focal como referencia; si realizas el disparo con 100 mm de distancia focal, asegúrate de que la velocidad de obturación sea menor a 1/100s. Si las condiciones de iluminación no lo permiten aumenta el ISO un poco.

5. Props

Cualquier cosa entra en este punto. Coches de juguete, ropa, mobiliario, modelos a escala… cualquier objeto que pueda colocarse en un primer plano para aparentar un tamaño mucho mayor.

6. Punto de vista

A veces el simple hecho de bajar el punto de vista de la fotografía y disparar hacia arriba modificará considerablemente la proporción de los objetos en primer plano, haciéndolos parecer mucho más grandes. Puedes probar jugando un poco con este elemento, de seguro obtienes algo interesante.

 

Lo Importante Es No Quedarse Parado

Esta frase que tan importante es en muchísimos aspectos de la vida, también lo es a la hora de utilizar la perspectiva en nuestras imágenes.

Estamos acostumbrados a la perspectiva que nos ofrecen nuestros ojos, pero esta perspectiva no es la única que existe. Moverse, buscar nuevos ángulos de visión para analizar cómo cambia la perspectiva, utilizar distintas focales.

No quedarse parado con aquello que tenemos en general es lo que nos proporcionará fotografías con una nueva manera de ver el mundo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

10-2013 Como hacer humo

 Para hacer un humo se una serie de materiales (tela negra, trípode, velas o cigarros o cualquier cosa que haga humo si lo pones vertical durara mas, flash externo o buena luz y disparador)

 El humo claro que no sea arrastrado por el viento, es mejor emplear dos clase de humo juntas, emplear un fondo negro, bien iluminado o flash externos
Color el flash entre el fondo y el humo, debiendo ajustar diafragma

El humo se puede mover moviento la vela o soplando
En cámara
Enfoque manual, cuanto mas cercano se este mejor, la cámara montada sobre trípode. Usar diafragma entre f7-11 con prioridad en apertura, asi crea profundidad de campo y tomas las figuras del humo El iso bajo El flash externo  a 90º de humo, y regularla pontencia del flash. Velocidad sin pasar 1/250 En exposición ver su histograma para que este buena parte en el dalo izquierdo de los negros hacer pruebas de exposición dejas algo ossuro para que se vea el humo
Disparar varias veces y con alturas diferentes

Ajustes Posteriores
Disparar en modo RAW , hacer la mayoría de los ajustes  sobre el propio RAW. Cuando el fondo no sea muy negro, los ajustes  automáticos de la exposición la fotografía tendía a aclararse demasiado.
Los problemas los solucioné llevando al máximo el control de las sombras y al mínimo el control del contraste.
A partir de ahí, jugué con la exposición para no sobreexponer los blancos.
En Photoshop, podemos utilizar los niveles para llevar las zonas oscuras al negro completo y ayudarnos de un pincel negro para pintar sobre aquellas zonas del fondo que muestren algún tipo de brillo sobre la tela o zonas de humo que no formen parte del motivo principal.

Dando Color al Humo

Si queremos dar a nuestras fotos un toque adicional de irrealidad, podemos colorear el humo. No hay un método único para colorearlo, por lo que se puede jugar hasta obtener el resultado deseado.
Cuando tomamos la imagen originariamente, el humo es de un tono azulado.
Si queremos trabajar con el fondo blanco en lugar de negro, simplemente tenemos que invertir la imagen (En Photoshop, Imagen -> Ajustes -> Invertir). El humo cogerá un tono marron o rojizo.
A partir de ahí, podemos utilizar una capa de color sólido o degradado, seleccionando el modo de fusión Color o Tono. Para tener un control mayor sobre los colores por zonas, podemos pintar con pinceles de colores sobre el humo en una capa en modo Color.

 

 

 

 

10-2013 Larga exposicion fotografia pura

 

Larga exposición puramente fotográfica
 Esta técnica requiere un conocimiento mayor que la anterior sobre las cualidades de la luz, ya que vamos a unir luz ambiente con luz artificial, todo un reto.

Las condiciones de luz más favorables que he detectado son intensidades lumínicas bajas, es decir amanecer, atardecer, hora azul, hora crepuscular,También ayuda colocar al modelo a contraluz o en una zona de sombra, esto hará que sea la luz de nuestro flash la que prevalezca sobre la luz ambiente en el modelo.
(Parámetros: Focal: 18mm DX, Apertura: f22, Velocidad: 3seg, ISO: 200, Flash: 1 flash a 1/1 de potencia con paraguas difusor a 45º Filtro ND 2 pasos)

1: Elección del fondo y el encuadre

 Es aconsejable tener en cuenta la intensidad de luz y la posición del modelo (preferiblemente a contraluz). Si ya tenemos nuestro encuadre con el modelo en su sitio podemos pasar al siguiente paso.

Paso 2: Configuración de los parámetros de cámara

En cuanto al enfoque yo suelo utilizar la técnica de la hiperfocal para tenerlo todo perfectamente enfocado, pero como siempre insisto solamente si es el efecto estético que queréis conseguir.
A continuación nos disponemos a conseguir una velocidad de obturación lenta y es aquí donde juega un papel crucial el equipo del que dispongamos, puesto que si usamos un filtro ND muy fuerte (6, 8 o 10 pasos) o si cerramos mucho el diafragma (f16 o f22 por ejemplo) podría suceder que la luz del flash no tuviera la suficiente intensidad para congelar a nuestro modelo.

Por ello siempre intentaremos crear un equilibrio entre filtros, parámetros y flashes. No hay una norma cerrada y todo depende de la luz ambiente, la intensidad y el número de flashes y los filtros que dispongamos. Mi consejo es practicar

Puedo aconsejaros obturaciones a partir de 2 segundos para ríos y a partir de 5 segundos para el mar, además con esa velocidad, el toque de flash y un modelo colaborativo es muy difícil que salga movido. Además podemos usar filtros ND que no requieran tanto aporte de luz artificial como por ejemplo de 2 o 4 pasos. Si queremos bajar más la velocidad, ya tendremos que contar con filtros más potentes y más potencia de luz, 2 o 3 flashes.

Para objetos en movimiento todo depende del nivel de desenfoque que queráis conseguir del objeto y de la velocidad de éste, pero por ejemplo a mí me gusta usar unos 2 segundos cuando hay coches en movimiento.

Paso 3: Esquema de luz artificial

Para congelar al modelo con estas velocidades de obturación es necesario el uso de luz artificial, el destello del flash actúa como una segunda velocidad de obturación para nuestro retratado. Esto es debido a que el destello es tan rápido que en muchas ocasiones supera las velocidades de obturación más rápidas de nuestra cámara, sobre todo a menor potencia.

Si hemos conseguido una obturación baja sin cerrar extremadamente el diafragma (f22 por ejemplo, lo cual desaconsejo por la temida difracción) o sin usar filtros ND muy potentes (8 o 10 pasos) y sin bajar ISO a 50 por ejemplo, podemos crear un esquema de iluminación más creativo con varios puntos de luz, incluso rebajar algún flash para obtener más volumen, lo que se nos ocurra.
(Parámetros: Focal: 18mm DX, Apertura: f6.3, Velocidad: 1seg, ISO: 200, Flash: 1 flash a 1/1 de potencia con paraguas softbox a 45º)
Si por el contrario hemos tenido que usar filtros potentes y vemos que la luz del flash no prevalece sobre la luz ambiente, podemos colocar todos los que tengamos concentrados en un mismo punto (podríamos usar un paraguas difusor incluso) con lo que conseguiremos tener 1 sola fuente de luz pero sumando las intensidades de los flashes, con esa potencia es posible que venzamos los diafragmas de luz que hemos reducido con los filtros o los parámetros de cámara).

Es aconsejable trabajar con los flashes en manual para ir comprobando si los resultados son los que buscamos. Además los modos automáticos, sobre todo el TTL tenderá a subexponer la foto y posiblemente notemos que nos ha faltado intensidad de luz.

Paso 4: Toma de la fotografía y correcciones
 Una de las cosas más importantes es que nuestro modelo esté lo más quieto posible para evitar que se transparente con el fondo, si disparamos el flash y se saliera del encuadre se transparentaría esa zona, lo cual también da lugar a efectos artísticos muy curiosos.
Después del primer disparo podemos analizar con lupa la toma, para ver si hemos sacado lo que buscábamos, en caso negativo y teniendo en cuenta todo lo que hemos visto, podemos hacer las correcciones que creamos oportunas, desde modificar el esquema de luz, hasta jugar con los filtros y los parámetros de cámara, toda técnica requiere su adaptación a cada fotógrafo y darle ese toque personal que todos buscamos.
(Obtención del retrato por medio del método fotográfico. Parámetros: Focal: 18mm DX, Apertura: f11, Velocidad: 4seg, ISO: 200, Flash: 2 flash a 1/1 de potencia con paraguas difusor a 45º Filtros ND 6 pasos)

Espero que os haya gustado la explicación y sobre todo que disfrutéis al máximo practicando estas técnicas, y por supuesto que experimentéis muchísimo, No solo limitarnos solo al agua cuando podemos conseguir estelas de movimiento de coches, luces, etc

2013 Las sombras

 

LA SOMBRAS EN FOTOGRAFIA

La luz es el elemento más importante de la fotografía pero hay otro elemento que siempre estará presente en las imágenes: la sombra. Hay sombras indeseadas, que nos despistan del motivo central de nuestra fotografía, hay sombras que se generan por culpa de una mala iluminación o de una iluminación mal planificada. Pero el de las sombras es, en realidad, un mundo fascinante que nos puede ayudar muchísimo en nuestras fotografías. ¿Quieres saber cómo sacar el máximo partido a las sombras de tus fotografías?

1.-La Sombra como composicion

Las sombras nos pueden ayudar en la composición de nuestras fotografías pues no se trata de algo negativo sino de algo que, si se usa bien, también puede tener su propia fuerza visual.

 Así pues, hay principalmente tres maneras de usar las sombras para mejorar las composiciones de tus fotografías:

A,-Llenar espacios en blanco. Las sombras en sí mismas rellenan espacio que, de otra forma, quedaría vacío. Así pues, pueden ser perfectas para, por ejemplo, conseguir un fondo más interesante o con más personalidad o expresividad, ya sea proyectando en él la sombra del sujeto principal de la imagen o mostrando la textura de su superficie. Cuando quieras llenar un espacio vacío, ¡proyecta una sombra en él!

B.-Guiar la mirada del que vea la foto. Las sombras pueden terminar generando líneas o patrones que guíen la mirada del observador hacia algún punto concreto de la fotografía. Esto será especialmente evidente en la fotografía urbana o en la de arquitectura, donde elementos como por ejemplo las barandillas pueden ayudarte a conseguir estos efectos.

C.-Equilibrar pesos visuales. Como ya vimos cuando hablamos de los pesos visuales, las sombras también nos pueden ayudar en este aspecto pues, colocadas estratégicamente, pueden terminar de equilibrar la composición de una fotografía.

 2.-La sombras como elemento principal de imagen

Las sombras no son algo que, simplemente, aparece como consecuencia de la iluminación. También pueden llegar a convertirse en el elemento principal de nuestra fotografía si somos capaces de encontrar una sombra interesante y expresiva y además, sabemos sacarle provecho. ¿Quieres conseguir que una sombra sea la protagonista indiscutible de tu imagen? Cuatro ideas para conseguirlo:

A.-Las sombras misteriosas. Aquellas que no sabes a qué objeto pertenecen. Pueden ayudarte a llamar la atención de las personas que vean tus fotos pues adivinar qué es lo que proyecta esa sombra se convertirá en una especie de juego visual.

B.-Las sombras curiosas. Aquellas sombras que, por su distribución, su forma o su estructura puedan parecer curiosas fotográficamente. Seguro que tienes un montón de estas alrededor, sólo debes aprender a mirar “el lado oscuro” de las cosas.

C.-Las sombras abstractas. Y es que si lo que buscas es hacer fotografía abstracta, las sombras pueden ayudarte un montón. Sólo necesitarás saber colocarlas y encuadrarlas de manera que te sirvan para tus propósitos (en este caso, descontextualizar la foto. Es decir, que no se entienda lo que es el sujeto principal).

D.-Los contraluces. Son otro tipo de sombra y de hecho, creo que es el tipo que más se presta a ser el elemento principal de una fotografía pues las siluetas suelen dar mucho juego. Si buscas siluetas, deberás cuidar mucho la iluminación que utilices, en este artículo te damos cuatro posibles esquemas de luces para hacerlo.

Por supuesto, hay infinidad de opciones para conseguir que una simple sombra se convierta en el punto más importante de una fotografía. No te centres sólo en las opciones dadas en este artículo y sal a descubrir las sombras más fotogénicas.

3.-La sombra como ayuda a la expresión

Una sombra nos puede ayudar a terminar de darle expresividad a nuestras fotografías, pues hay sombras que son muy descriptivas. Por ejemplo, una buena sombra bien colocada nos puede aportar mucha profundidad en nuestra fotografía pues nos ayudará a separar el sujeto principal de nuestra imagen del fondo de la misma.

Las sombras también pueden ser unas muy buenas aliadas para explicar cómo es algo, como podría ser, por ejemplo, el caso de las texturas, que cuando se iluminan de manera adecuada, son descritas, precisamente, por sus sombras. Si no fuera por éstas, no tendríamos manera de conocer si la superficie de algo que aparezca en nuestra fotografía es liso o rugoso y muchas veces, esas texturas son, precisamente, las que hacen que una imagen se convierta en una buena fotografía.

Existe otra manera de servirnos de las sombras para ayudarnos a la hora de conseguir imágenes más expresivas y es el hecho de conocer cómo son las sombras en determinadas circunstancias para, así, poder simularlas. Por ejemplo, si sabemos cómo son las sombras en un día nublado (muy difusas), podemos aprovechar ese conocimiento para aplicarlo en nuestras imágenes y conseguir, por ejemplo, imágenes más melancólicas.

4.- Usar sombras que son consecuencia de iluminación

Sí, es cierto, todas las sombras del mundo siempre son la consecuencia de una iluminación, voy a concretar un poco más este punto. Hay iluminaciones que, por su naturaleza (su dureza, su posición respecto el sujeto a iluminar o, simplemente, porque tienen algún filtro que las modifica antes de llegar a iluminar aquello que nos interesa) provocan ciertas sombras más o menos atractivas.

Podríamos decir que la gracia de ciertas iluminaciones es, precisamente, las sombras que provocan. Estas sombras, además de ayudarnos a conocer sólo viendo la fotografía cómo era esa fuente de luz de la que disponíamos, pueden llegar a convertirse en una parte importante de la composición o, incluso, a llegar a robarle protagonismo a nuestro sujeto principal. En nuestras manos está el decidir si nos interesa hacerlo o no, el caso es que saber reconocer cuándo estas sombras nos pueden aportar un extra a nuestra fotografía y el saber sacarles el máximo provecho puede sernos muy útil a la hora de crear según qué imágenes.

La mejor manera de conseguir sombras…

Evidentemente, la mejor manera de conseguir sombras es aprendiendo a encontrarlas mediante la iluminación y según la luz de la que dispongamos, podremos conseguirlas de una manera o de otra:

·         Si dispones de una iluminación natural, deberás estar muy atento pues, seguramente, tus opciones para conseguir exactamente la luz que quieras estarán muy limitadas. Antes de tomar la fotografía, observa bien cómo incide la iluminación que tienes en el sujeto que vas a fotografiar. Busca sombras cambiando de ángulo de visión o, si puedes, moviendo el sujeto en tu interés. Y, sobre todo, analiza tu situación lumínica para saber qué te espera (si hay nubes que puedan darte unas sombras más difusas, si se va a poner el sol o va a quedar tapado por algún otro elemento…).

·         Si, por el contrario, vas a realizar tus fotografías con iluminación artificial, lo tienes más fácil pues tendrás más libertad de modificar la situación lumínica para adaptarla completamente a tus necesidades. ¿Quieres sombras? Huye de los difusores: la luz suave genera sombras, sí, pero pueden llegar a ser tan suaves que no puedas ni apreciarlas. Las luces duras y laterales son las mejores amigas de las sombras, ¡eres tú quien debe decidir si eso es lo que te interesa para tus imágenes o no!

 

2013 Contraluces

CONTRALUCES

Un contraluz es una imagen en la que la fuente de luz o las luces más fuertes se encuentran en el fondo de la imagen y no en el sujeto que se encuentre en un primer plano. Si sólo está iluminado el fondo podemos conseguir que el sujeto sea una silueta completamente negra. Sea como sea, un contraluz no tiene, necesariamente, que contar con una silueta en la imagen. Vamos a ver una posible clasificación de los contraluces:

¿Son todos los contraluces iguales?

En absoluto. En función de cómo utilices la luz de la que dispones el resultado será diferente, aunque en todos los casos se trate de un contraluz:

1.-       Contraluz total. Entendemos como contraluz total aquella imagen en la que el sujeto principal de la fotografía se convierte en una silueta negra o muy oscura.

2.-      Contraluz con varias posiciones de luz. Muy parecida al contraluz total pero en este caso el fotógrafo decide iluminar, también, el sujeto principal de manera que éste, que no queda como una silueta negra, aunque puede estar subexpuesta también. Ahora veremos algunos ejemplos más esclarecedores.

3.-      Contraluz con luz de realce. Consiste en aprovechar la luz del fondo y, además, iluminar el sujeto por detrás. Con esto se crea una silueta luminosa.

4.-      Contraluz sólo con luz de realce. Consiste en iluminar la fotografía sólo por detrás del sujeto principal.

Sí, quizás leído así es un poco lío. Por eso vamos a ver cómo conseguir estos distintos contraluces con luz artificial (con flashes o focos) y, si es posible, con luz natural. Viendo, para cada caso, algún ejemplo fotográfico.

Las distintas maneras de conseguir un contraluz

Empezaremos con lo que hemos llamado  1.-“contraluz total” con luz artificial y el cómo conseguirlo con iluminación artificial:

Como vemos en el diagrama, necesitaremos iluminar el fondo. Es importante decir que no es necesario que el fondo sea blanco, ni siquiera que lo iluminemos con un flash o un foco: cualquier punto de luz nos puede servir, incluso una simple lámpara. Lo más importante es que, entre el fondo y el sujeto haya mucha diferencia de luz, por ejemplo unos 3EV o más. Es decir, que la luz que le llegue al sujeto sea mucho más débil (incluso nula) que la del fondo.

 2.-Para conseguir este contraluz (con luz natural) sin contar con luz artificial es tan fácil como exponer correctamente el fondo y, después, encuadrar al sujeto. Ten en cuenta, también, que para que la silueta sea completamente negra tiene que haber la gran diferencia de luz entre fondo y sujeto que hemos comentado anteriormente.

3.-Para conseguir un contraluz usando varios puntos de luz es decir, sin que el sujeto quede completamente subexpuesto, podríamos usar un esquema de iluminación parecido a este: Luz fondo mas potente que la luz del sujeto (luz artificial)

Ten en cuenta de que para que la imagen sea técnicamente un contraluz, la luz que ilumine el fondo tiene que ser más potente que la luz frontal. De manera que, por ejemplo, podríamos exponer el fondo cómo deseemos y, después, iluminar el sujeto para conseguir el efecto que queramos.

Este tipo de contraluz es muy fácil de conseguir, también, al aire libre con luz natural. Basta con situar el sol detrás del sujeto (sin que entre en el encuadre, lo suficiente para que ilumine el escenario pero no al sujeto) y, con un reflector, rebotar un poco de luz hacia el propio sujeto. Incluso, como en la siguiente foto, sin contar con reflectores o puntos de luz adicionales podemos conseguir también contraluces:

Por otro lado, para conseguir un contraluz con luz de realce, basta con iluminar el sujeto por detrás. Además, eso sí, de todas las otras luces que queramos colocar en el escenario.

Esto creará una silueta de luz alrededor de tu sujeto. Ten en cuenta de que el punto de luz trasero no puede verse en la fotografía! Un consejo: si sitúas este punto de luz en una posición baja respecto el sujeto, mejor!

Realizar este tipo de fotografías sin contar con luz artificial es tan sencillo como colocar el sol justo detrás del sujeto, sin que la luz llegue a entrar directamente al objetivo y exponiendo justo para que la silueta se aprecie a tu gusto. La verdad es que no hay unos parámetros exactos para tomar estas fotografías sin iluminación artificial porque éstos dependerán del escenario y la luz con los que cuentes en el momento de la toma.

 

Finalmente, para realizar contraluces sólo con una luz de realce, deberemos contar con el siguiente esquema de iluminación:

Para que el resultado sea el deseado, es importante que el único punto de luz del que dispongamos sea el situado detrás del sujeto. Si tenemos alguna otra luz (por ejemplo, luz de ambiente) y no las controlamos con la exposición, no tendremos el contraluz “puro”, es decir, la silueta no será completamente negra y, seguramente, tendrá algún detalle. Esto puede ser interesante para algunas fotos, así que si es lo que andas buscando, es un buen camino a explorar.

Conseguir este tipo de fotografías con iluminación es un poco complicado porque, como hemos visto, si hay luz de ambiente que no podamos controlar puede no salir el resultado deseado.

2013 Estelas de luz

Las estelas son preciosas muy atractivas por que dejan las luces de vehículos, en líneas de colores que hacen dibujos, tienes fuerza compositiva grande, consiguiendo  algo que nuestros ojos no captan

 

Las bases de la fotografía de estelas de luz
Con nuestra cámara se pueden controlar el tiempo de exposición, todo lo que se mueva mas rápido que el tiempo de exposición saldrá movido, es movimiento deja estela a lo objetos que se mueve mas si están bien iluminados
Si usamos un tiempo de exposición lo suficientemente prolongado, este movimiento se convertirá en una estela, y dentro de los objetos que se muevan delante de nosotros, conseguiremos recoger mejor aquellas partes que cuenten con más luz. Esas partes, en el caso de los vehículos, son sus luces

Algunos consejos a la hora de fotografiar estelas de luz

1 Usar trípode pues son tiempos de exposición largos

Como habrás supuesto, si vas a hacer fotos con tiempos de exposición prolongados necesitarás un buen trípode.

Como ya te recordáramos en su momento, las estelas de luz y en general la fotografía nocturna es

Salidas y puestas de sol--Agua en movimiento-- HDR: Alto Rango Dinámico--   Fusión de imágenes-- fotos de grupo (en las que salgas Tú)

      Fotos Panorámicas--Estelas de Luces-- Multiexposiciones o Clonaciones de Personas

2 Usa disparador remoto o temporizador activado, para evitar vibraciones
Si no cuentas con un disparador remoto, prueba a disparar con el temporizador activado, de modo que la foto se haga unos segundos después de apretar el botón de disparo de tu cámara.
3 Usa ISO lo mas bajo que puedas, solo será alto  si la apertura y tiempo no sacan fotos fijas

Hay veces que necesitamos usar ISOs altos porque las condiciones de apertura y tiempo de exposición no permiten hacer las fotos con garantías de que no salgan movidas o trepidadas.

Además, al usar ISOs más bajos necesitaremos más cantidad de luz que si utilizáramos valores altos, por lo que podremos exponer durante más tiempo y nuestras estelas serán más largas.

4 Reducción de ruidos puedes hacer pruebas activado y desactivado ,veras la diferencia
Hay cámaras que traen incorporados sistemas de reducción de ruído para exposiciones prolongadas. Si tu cámara cuenta con esta funcionalidad, te recomiendo que revises su funcionamiento y hagas pruebas con el sistema de reducción de ruído activado y desactivado, para ver qué resultados obtienes con cada uno de ellos, no sea que te lleves una sorpresa desagradable.
5 Tiempos de exposición juega con el tiempo de apertura, para sacar la estela deseada

Como decía, la longitud de las estelas dependerá del tiempo de exposición (y por supuesto de la velocidad de los objetos en movimiento).

Realiza las pruebas necesarias para que las estelas salgan como deseas, compensando el tiempo de obturación con la apertura del diafragma, garantizando que las fotos salgan correctamente expuestas.

6. El encuadre es fundamental: Imagina las líneas y correcta composición
Hasta ahora los consejos han sido meramente técnicos, conseguiras fotos bien ejecutadas

La clave está en la composición. Busca un punto para encuadrar bien, nudos cambios de sentido etc jugar con la líneas,

También puedes jugar con formas en “S”, o líneas diagonales que dirijan la vista a un punto determinado.

7.Añade elementos de interés edificios montañas

Cómo fotografiar estelas de luz

Experimentar  con exposición y velocidad de obturación, sobre trípode y con parasoles

Busca belleza compositiva,  encuadre (regla de tercios), ubicación y luces. Tiempo y luces, perspectivas creativas

Configuraciones del menú

  Lo habitual es disparar con velocidades de obturación entre 10 y 20 segundos, aproximadamente lo que tarden en pasar los vehículos o luces a lo largo del visor, y la abertura en un rango medio, prueba en un principio con f/8.
Saca fotos de prueba, te darás cuenta si debes sub o sobre-exponer la imagen y si el tiempo de exposición es suficiente para captar el efecto estela. Te recuerdo que si la imagen ha salido sub-expuesta debes disminuir la apertura de diafragma y si sale sobre-expuesta aumentarla. Ten en cuenta la profundidad de campo en tus disparos, cuanto mayor sea la apertura más profundidad de campo darás a la fotografía.

   Histograma: Hay que tener en cuenta lo nítida que va a salir la foto, dependiendo del tipo de luces que estemos fotografiando y la luz ambienta, el histograma nos será de gran ayuda. Si observamos rangos muy altos probablemente  hay algún foco de luz que nos está quemando la fotografía. Destellos o brillos demasiado expuestos pueden arruinar nuestro disparo, ya que generarán puntos de luz no deseados y distraerán la mirada en la composición.

Ajuste de ISO bajo: Intenta añadir el menor ruido posible a la fotografía.

  Dispara en Raw si te es posible: Esto te permitirá realizar mejores retoques de post producción, sobre todo en el balance de blancos. Recuerda que las luces artificiales suelen añadir tonos de color a las fotos.

Enfoque manual

Sincroniza tu disparo Si consigues abrir el obturador justo cuando entra un coche en escena y cerrarlo cuando sale de ella te puede dar como resultado una línea perfecta, sin embargo no siempre las líneas perfectas son las más interesantes.

Deja el obturador abierto Muchas cámaras digitales permiten dejar el obturador abierto el tiempo que queramos, en el menú de la cámara suele venir como opción ‘Bulb’. Esto puede resultar muy útil con este tipo de fotografías ya que nos permite tener mejor precisión. Te será de gran utilidad manejar un cable o mando a distancia para realizar los disparos, sobre todo si vamos a manipular manualmente el tiempo de exposición.

Consejos Buscar sitio idóneo , Puede ser alto a raz del suelo, puede hacerse la toma perpendicular al vehiculo o paralelo entonces en alto, usar diafragmas abierto o cerrados, poner BV según hora,