25-2-2014 Fotos con sensancion de movimiento I

 

Fotos con sensación de movimiento

Qué es la fotografía en movimiento?
La fotografía en movimiento no es otra cosa que una foto que, trasmite sensación de movimiento. Aunque en sí misma es estática, es posible expresar el movimiento mediante la utilización de algunas técnicas Utilizando velocidades de obturación muy elevadas (1/4000 segundos por ejemplo), el movimiento se congela  Con velocidades lentas de 1/10 segundos la fotografía de sujetos u objetos, trasmiten esa sensación de movimiento y dinamismo que tanto impresionan.

Componer en movimiento

 “Cuando tomes una fotografía de un objeto en movimiento o con capacidad para desplazarse, la composición y el encuadre deben ceder mayor espacio delante del objeto, hacia el lugar al que se desplaza” Es decir que, los elementos en movimiento dentro del encuadre deben de “entrar” en la fotografía, dejando mayor espacio por delante del objeto que por detrás. mayor espacio delante del sujeto mejor foto

 Cómo lograr una sensación de movimiento

1.Baja la velocidad (de obturación): una manera muy efectiva de plasmar la sensación de movimiento en una fotografía estática es bajando la velocidad de disparo. Por ello, cuanto mayor sea el tiempo de exposición, mayor será el movimiento plasmado en la misma.
2.“Cantidad” de luz: éste es otro de los factores determinantes para realizar una fotografía en movimiento y que está en estricta relación con la velocidad de obturación. Cuanto más baja sea la velocidad de obturación, mayor cantidad de luz captará el sensor, por lo que corres el riesgo de sobreexponer la toma .Hay modos de compensar en las largas exposiciones las tomas con excesiva luz.
3.Estabilidad: Dejar solo movimiento del sujeto, evitar movimiento de la cámara nuestra (trípode, disparador remoto, etc.).

Técnicas y Trucos

Ahora que ya tienes una mejor idea de qué es la fotografía en movimiento y qué es lo que la diferencia del resto de las disciplinas fotográficas y la hace tan particular, ha llegado el momento de que comiences a familiarizarte con las técnicas y trucos necesarios para llevar a cabo este tipo de instantáneas

Existen diversos métodos que podrás utilizar dependiendo del mensaje o sensación que quieras comunicar:

Loading...1) Congela El Sujeto Y El Fondo
La opción más habitual, ya que se trata de la más sencilla, por utilizar un tiempo de exposición suficientemente reducido (dependiendo, por supuesto, de la velocidad del sujeto que deseas congelar) Además de utilizar un tiempo de exposición bajo, deberás garantizar que la exposición es correcta, con lo que tendrás que contar con suficiente apertura y, de no ser posible sólo con la apertura, optaríamos por elevar un poco la sensibilidad ISO.
Velocidades habituales para poder congelar objetos son las siguientes:
a partir de 1/200 seg. para caminantes y niños (hasta ciertos niveles de actividad :))
a partir de 1/500 seg. para deportistas
a partir de 1/1500 seg. para vehículos a gran velocidad (motos y coches de carreras, por ejemplo).

Emplear el modo de  prioridad en tiempo, o bien en modo manual, para asegurar un buen resultado en la toma, suele ser habitual habilitar el modo ráfaga

2)Barrido (Panning)
El barrido es la técnica que deberás utilizar si lo que quieres es que el sujeto u objeto de interés salga estático y bien definido mientras que el fondo salga movido. Es una de las técnicas más populares para fotografiar objetos en movimiento ya que se logra trasmitir de un modo muy efectivo el movimiento y dinamismo de una escena.

Tal como su nombre lo indica, el barrido consiste en desplazar la cámara a la misma velocidad y en la misma dirección en la que se mueva el objeto o sujeto que queramos fotografiar, “barriendo” la escena.
De esta manera se logra invertir el efecto del movimiento: todo lo que estaba estático quedará movido, y el objeto que se movía quedará estático.
¿Cómo lo consigo?
1.Dependiendo de la cantidad de luz ambiente, selecciona una velocidad de obturación más lenta de lo que usualmente utilizarías para tomar la fotografía si no utilizaras la técnica del barrido.
 2.Se utilizan velocidades medias, desde 1/100 seg. hasta 1/30 seg, o incluso 1/10 seg   pero ten en cuenta que cuanto más lenta sea la velocidad de disparo, más fácil será que el objeto salga movido, así que hazlo con cuidado. Procura tomar cierta distancia del objeto, ya que cuanto más cerca estés de éste, más rápido se moverá en relación a la cámara, y más difícil será obtener buenos resultados.
3.Busca una ubicación que te permita una visión limpia, es decir, sin nada que obstruya tu campo de visión ni se interponga entre tú y el objeto o sujeto de interés.
4.Acompaña el movimiento y dirección del mismo lo más establemente posible para evitar que salga movido.

Para lograr unos resultados espectaculares deberás tener en cuenta:

·         Profundidad de campo: tendrás que evaluar cómo de enfocado o desenfocado querrás que salga el fondo más allá de salir movido. Presta atención al diafragma.
·         Velocidad de obturación: como te comenté anteriormente, elige una velocidad de obturación menor a la que usualmente utilizarías al tomar la fotografía.
·         Velocidad del Barrido: dependerá de la velocidad de obturación y la velocidad de obturación dependerá de la velocidad del barrido. Si utilizas velocidades más rápidas (1/50 digamos) deberás hacer un barrido más veloz, y viceversa.
·         Distancia del sujeto: cuanto más cerca estés del sujeto mayor será la dificultad de obtener buenos resultados del barrido.
·         Estabilidad: ten en cuenta que mientras desplazas la cámara de un lado a otro, si no utilizas un trípode la cámara también se moverá de arriba hacia abajo o viceversa, de manera involuntaria claro está. Por lo que si utilizas velocidades de obturación muy bajas habrá más posibilidades de que no logres la nitidez deseada.
La dificultad de esta técnica, como te habrás dado cuenta, radica en la cantidad de variables a tener en cuenta en el momento de llevarla a cabo, por lo que tendrás que armarte de mucha paciencia. Si persistes y vas experimentando y probando, conseguirás fotografías realmente

 3) Desenfoca Sujeto Y Fondo

Otra opción consiste en la introducción del movimiento en la escena por parte del propio fotógrafo (independientemente de que en la escena ya ha sujetos en movimiento). El movimiento introducido se logra utilizando un tiempo de exposición suficientemente largo (en el caso de la fotografía que se muestra más abajo es de 1/50 seg) y, por supuesto, realizando también un movimiento de la cámara al presionar el disparador.
El movimiento de la cámara se traduce, como puedes ver, en un desenfoque tanto en el sujeto, como en el fondo y aunque puede resultar un poco molesto o mareante mirar fijamente la imagen, pues nuestros ojos deambulan por la imagen buscando algún objeto nítido sin éxito, transmite una escena con mucho dinamismo y acción, ¿no crees? El éxito del resultado de esta opción resulta, desde luego, mucho más subjetivo y probablemente a muchos de vosotros no os guste (se puede pensar que se trata de una imagen defectuosa, trepidada…). Pero se trata de una técnica que creo que también es oportuno considerar.

4) Desenfoca Sólo El Sujeto
La siguiente opción consiste en presentar únicamente en movimiento el sujeto que realmente lo está, manteniendo el fondo perfectamente nítido y estático. Para ello basta con utilizar un trípode y emplear un tiempo de exposición suficiente para que quede retratado el movimiento del sujeto.
Ésta es una opción que funciona muy bien con elementos con desplazamientos lineales: trenes, coches, motocicletas, etc. Se trata de la opción que se utiliza, por ejemplo, cuando buscamos conseguir estelas de luz.

La imagen superior representa de forma muy clara el tipo de fotografía en el que queda fantásticamente bien esta opción. El desenfoque en los vagones, logrado gracias al empleo de un tiempo de exposición de 1/4 seg, transmite una clarísima sensación de movimiento, ¿no crees?

 5)Zooming
El zooming es una técnica que, como te podrás imaginar, permite dar la sensación de movimiento mediante la utilización del zoom del objetivo.

Dicha sensación puede ser tanto de acercamiento, si hacemos zoom o de alejamiento del sujeto u objeto a fotografiar.
A través de líneas convergentes, se logra centrar la atención del observador hacia el centro de la fotografía, generando una sensación de movimiento hacia dentro o fuera según como se utilice, otorgándole dinamismo y movimiento muy peculiares.
¿Cómo lo consigo?
1. Encuadra la fotografía poniendo en el centro al sujeto u objeto de interés.
2. En la medida de las posibilidades lumínicas, cierra el diafragma.
3. Seleccionar una velocidad de obturación menor a la que utilizarías normalmente para realizar la misma toma.
4. Mientras el obturador esté abierto, y por ende permitiendo que la luz alcance el sensor, acerca o aleja el zoom según el efecto que desees lograr. Básicamente eso lo haces variando la distancia focal mientras se está grabando la foto.

Para lograr unos resultados espectaculares deberás tener en cuenta:

·  Distancia focal: en esta técnica en particular la focal no queda fija, sino que varía durante la toma. Se suele “hacer zoom” o mejor dicho, partir de una focal más abierta a una más cerrada, para lograr ese efecto de acercamiento. De todas maneras puedes experimentar como quieras y a tu gusto.
·  Objetivos: más allá de que con cualquier objetivo que no sea de focal fija puedes realizar dicho efecto, obtendrás los mejores resultados con un objetivo gran angular ya que sus distorsiones propias hacen de este efecto algo espectacular.
· Velocidad de zoom: la velocidad con la que modifiques la focal hará que obtengas distintos resultados. Si lo que buscas son líneas más progresivas, tendrás que hacer un zoom más pausado. Pero si lo que quieres lograr son líneas rápidas, deberás variar la focal muy rápido.
· Velocidad de Obturación: al igual que en la técnica del barrido, la velocidad de obturación depende de la velocidad de barrido y viceversa. De acuerdo a los resultados que esperas obtener deberás utilizar velocidad más rápidas o más lentas, según consideres necesario.
· Estabilidad: una de las condiciones primordiales en la fotografía es la estabilidad y para realizar la técnica del zooming no es la excepción. Mientras menor sea la velocidad de obturación, si la cámara no está lo suficientemente estable, la fotografía saldrá movida.

22-12-2014 La nitidez

   

LA NITIDEZ

La nitidez es una cualidad que significa (claro, limpio, sin confusiones. Una fotografía es nítida cuando el objeto, sujeto o la escena de interés a fotografiar están bien contrastados, y perfectamente enfocados y bien definidos  La nitidez, depende del enfoque (definición) como de la acutancia (contraste)

Acutancia: es el grado de contraste que puedes observar en el límite en la fotografía, que difieren por su luminancia o densidad óptica.
Enfoque: Un objeto está enfocado cuando sus rayos de luz “, convergen (se cruzan) en el plano focal.
La presencia o ausencia de nitidez dependerá de que sea lo que estés intentando comunicar con tus fotografías. Hay fotografías en donde la nitidez no es un factor importante, como cuando se quiere captar movimiento, pero en otras, como en las de paisaje, la nitidez pasa a ser un factor fundamental.

La nitidez ayuda a que podamos apreciar una imagen de una manera “no incomoda”. De no estarlo, la fotografía puede ser muy buena, pero no alcanzara para ser excelente. La nitidez es un proceso de mejora continua, por lo que requerirá de paciencia y mucha práctica. La nitidez no lo es todo, pero es de gran ayuda al momento de lograr los mejores resultados con tus fotografías. La nitidez en cada una de tus fotografías depende de muchísimos factores, algunos controlables, como puede ser la distancia focal o evitar vibraciones, y otros con los que hay que aprender a convivir, como pueden ser las propias limitaciones de tu equipamiento.

La nitidez en fotografía es primordial y depende de muchos factores, y sus consejos ayudan a mejorar la fotografía    Consejos

1. Limpieza de lentes

2. Configurar correctamente la cámara: ajustar los parámetros de nitidez, contraste y saturación
3. Uso de filtros  Pueden mejorar la nitidez
4. Utilizar la focal más adecuada: Los objetivos fijos suelen tener mejor calidad que los zoom, si usamos zoom buscar los puntos críticos que suelen estar en los extremos de sus
5. Mejorar el disparo Evitar la trepidación (sujetar bien la cámara, trípodes, disparador por cable o automatico, levantar el espejo (live view) y desactives estabilizador
6.Técnicas de enfoque: Ajusta el modo de enfoque: según cada tipo de fotografía cuidado al re encuadrar: es muy común que, al utilizar el modo de enfoque en “punto central”, primero se enfoque y luego se componga. Esta forma de hacerlo es rápida y sencilla pero trae aparejado un problema llamado “error de coseno”: al re encuadrar la foto puede que varié la distancia focal inicial y la final. Utiliza los distintos puntos de enfoque de tu cámara para evitar perder nitidez en la zona de interés. Se hace foco en un punto a una determinada distancia pero, al vascular la cámara al re encuadrar, sin darte cuenta han cambiado las distancias focales originalmente tomadas. La distancia desde el plano focal al punto de i
 Utiliza el enfoque preciso: quizás no lo sabias, pero la mayoría de las cámaras reflex, en el modo Live View, permite utilizar una herramienta llamada “Enfoque preciso”. Con solo presionar el botón de zoom (+) al costado de la pantalla, la cámara realiza una ampliación del lugar a donde estés enfocando de modo que puedas ajustar perfectamente el foco. Haz la prueba, es realmente sencillo de utilizar.
 Enfoca con zoom: otra manera de la que puedes asegurarte de que tu objeto o sujeto de interés salgan completamente en foco es haciendo zoom al mismo, si tu objetivo te lo permite, enfocarlo y luego abrir el foco hacia una distancia focal menor. Cuando bloqueas el autofoco, al “abrir el plano” el foco quedara situado en donde tú lo fijaste con el zoom.
·  Practica enfocar en manual: no importa si llevaste a cabo todos los consejos anteriores o no si, al momento de realizar la toma, el objeto de interés quedo fuera de foco. La precisión en el enfoque es fundamental. El modo automático de enfoque, en determinadas situaciones se desorienta y no termina por enfocar a donde tú querías que lo hiciera. Por ello, entrena tu ojo fotográfico para utilizar el modo manual de enfoque, para esos momentos en donde la cámara no sabe a dónde enfocar.
·     Cuid a la Iluminación: el modo en que la escena esta iluminada es fundamental para obtener la nitidez perfecta. Trabajar en condiciones de luz inadecuadas no te permitirá capturar todos los detalles del sujeto u objeto retratado. Lo ideal es que trabajes con luz suave, como la de un día nublado de modo de que la luz cubra la escena de forma uniforme, sin los contrastes excesivos que se producen, por ejemplo, a plena luz del sol.
 Utiliza fondos contrastantes: cuanto mayor sea el contraste entre el objeto o el sujeto respecto del fondo, mejor se apreciara la nitidez de este. Intenta utilizar fondos distantes y que contrasten respecto del motivo fotografiado.
· Acércate al motivo: si quieres que tus fotos sean mucho más nítidas, acércate a los motivos en lugar de hacerles zoom. Si bien es más cómodo y seguro tomar fotografías a la distancia, si lo que quieres es ganar nitidez, te recomiendo que dejes tu objetivo zoom de lado y comiences a acercarte a los motivos tú mismo. Puedes obtener el mismo encuadre con el objetivo en 300mm a una distancia de 10 metros, que si utilizas un 50mm y te acercas más a este. Cuanto más alejado este el motivo del sensor, por más que lo acerques mediante el zoom, el sensor lo captara pero con menos detalles. Haz la prueba y notaras una diferencia al instante.
·  Compón al momento de la toma: tomate tu tiempo para componer las fotografías al momento de tomarlas, no te apresures a tomar cuanta imagen se te cruce para luego, mediante recortes con algún programa de edición, acomodar el encuadre. Al recortar la fotografía, la misma va perdiendo información captada originalmente por el sensor, por ende, pierde calidad y nitidez. Si bien es cierto que cada vez los sensores tienen más y más mega pixeles, no siempre esto se traduce en una mejora en la calidad final de las fotografías.
8. Iso sin ruido, al minimo que puedas
9. Velocidad  En fotografía la velocidad no se multa Es muy importante para evitar la trepidación. Para calcularla se habla de una sencilla regla que es la de usar como mínimo una velocidad inversa a la focal seleccionada En casos de sujeto en movimiento usar velocidades mas altas
Velocidad de obturación = 1 / distancia focal utilizada focal
10. Apertura La máxima calidad de un objetivo se obtiene a aperturas medias. Esto es debido a dos factores: A máxima apertura las lentes operan en la totalidad de su diámetro y en los bordes de las lentes es donde se acentúan los defectos de construcción de éstas. Normalmente son aberraciones cromáticas y distorsiones. Si cerramos mucho el diafragma solucionamos en gran medida los problemas anteriores, pero aparece otro gran enemigo de la nitidez como es la difracción. Utilizaremos aberturas medias para garantizar la mejor calidad de nuestra imagen.
 11.Distancia Hiperfocal la hiperfocal es una distancia mínima a la que debes enfocar para que  todo      lo que se encuentre por detrás de esta, salga nítido. Dicha distancia depende de la cámara que estés utilizando, la distancia focal y la apertura de diafragma.
12.Busca la mejor exposición: Si la exposición no es la correcta, no obtendrás nitidez en las zonas demasiado oscuras o demasiado claras.
13.Postprocesado Bonus: Dispara siempre en RAW: si tu cámara te lo permite, no lo dudes, siempre dispara en RAW. ¿Por qué? La información contenida en un archivo RAW es mucho mayor que en los formatos comprimidos como el Jpeg ya que es un archivo “crudo” o no procesado. La capacidad de retocar un RAW, sobretodo en enfoque y nitidez son mucho más precisas al utilizar un software de edición en el ordenador de lo que la propia cámara es capaz de realizar. Si lo que quieres es nitidez extrema, deberás realizar un buen procesado de los archivos RAW en el ordenador.

Conclusión

Lograr fotografías nítidas no es para nada difícil, solo requiere de ciertos hábitos y precauciones a la hora de realizar las tomas.
Si bien es cierto que una de las principales limitaciones a la hora de lograr fotos perfectamente nítidas es el equipamiento, si conoces las limitaciones de tu equipo y explotas al máximo sus virtudes, tus fotografías no tendrán nada que envidiarles a las de los profesionales.
Lo más importante que debes hacer es salir a tomar fotos. De nada sirve que adquieras un montón de conocimientos, técnicas y consejos si tu cámara sigue guardada en tu mochila.
Y recuerda que, una fotografía perfectamente nítida no es mejor que otra, solo por su calidad y nitidez. Uno de los aspectos más maravillosos del arte es la subjetividad: cada uno entiende la fotografía a su manera y tiene su propia manera de trasmitir sus mensajes.

15-12-2014 Efecto de la distacia focal

 

EFECTOS DE LA DISTANCIA FOCAL

 Aprender el uso de la compresión de la perspectiva fotográfica según la distancia focal

 
Muchas veces hemos oído que para realizar fotografía de retrato, que mejores resultados dan son los llamados  objetivos supèriores a 75 mm teleobjetivos ( Por comprensión de perspectiva y profundidad de campo) Aislan a la persona del fondo y restan distraciones
Cada distancia focal varia el angulo, la persona y el fondo. A menor distancia focal mas angulo mas persona y mas fondo (pero con detalles mas pequeños) A distancia focal media distancias cámara de objetivo en fondo se reduce ( el detalle es mas grande) A distancia focal larga usar mas distancia real el fondo se reduce aun mas y los detalles de fondo aun aumenta. Por esto objetivo de distancia focal larga es idónea para foto-retrato
Si cambiamos de postura la cámara combiara el fondo, e aislan el sujeto

Pensar que cada distancia focal, si queremos encuadrar bien, conlleva acercarnos o alejarnos, a medidas que aumenta la DF, tendremos que alejar la cámara del sujeto

 Disferencias de usar una focal u otra

El más apreciable y también conocido es  el angulo de escena captada el ángulo de escena captada. Mientras que a menor focal  10mm se aprecia una amplia zona que con un zoom También los zoom tienen profundidad de de campo más reducidas, lo que redundará en una mayor capacidad de centrar la atención en el sujeto.

Otra, a medida que aumenta la focal, el objetivo necesita un menor  tiempo de exposición para lograr imágenes nítidas.

La distancia entre los planos paralelos al sensor de la cámara a medida que aumenta la focal también da la sensación de que se reduce. Es lo que se conoce como compresión de la escena.

Por último, la distorsión que se produce en la imagen al emplear focales reducidas,  el sujeto está en una posición no centrado. Observa   una cara mucho más alargada y un brazo de mayores Por el contrario, distancias focales mayores logran resultados más planos, menos distorsionados y con un resultado más parecido a la realidad

Qué influencia de factor de recorte

Comentaba que he realizado las fotografías con una cámara con sensor APS-C, ya sabes un sensor con tamaño más reducido de los conocidos sensores full frame (35mm).

Cuando se habla de distancia focal siempre se tiende a poner en juego el conocido  factor de multiplicación o recorte asociado a cada sensor.

 Afecta, pero sólo en lo que se refiere a la distancia a la que tendrás que colocarte para lograr un determinado encuadre y, por lo tanto a la cantidad de escena presente en la fotografía.

Sin embargo, en lo que se refiere a compresión y distorsión no tiene nada que ver el factor de recorte. Es decir, un objetivo con focal de 50mm producirá la misma compresión de planos y distorsión en la escena tanto si se sitúa en una cámara con sensor de 35mm, como si se sitúa en una cámara con un sensor con factor de recorte 1.5x.

La única diferencia será que la porción de imagen captada en el sensor de 35mm será superior. Mientras que en el sensor con factor de recorte 1.5x la porción de escena captada será la equivalente a aquella que captaría el sensor full-frame con un objetivo 75mm (50mm x 1.5).

 Resultados  gran angulares

Si vuelves a la lista de imágenes obtenidas variando la focal puedes observar que la diferencia entre los dos primeros resultados (con un objetivo gran angular) y el resto de imágenes son abismales.

Es decir, que la diferencia en el resultado entre, por ejemplo, 10 y 36mm nada tiene que ver con la diferencia entre 70 y 300mm y así es, el resultado de objetivos gran angulares en fotografía de retrato y en cualquier otro tipo de fotografía ofrece un resultado completamente diferente.

Especialmente en la toma realizada a 10mm se puede ver una tremenda distorsión que permite presentar a un sujeto con un brazo de unas dimensiones muy superiores a las reales (soy bastante delgadito, créeme) y también con una cara algo extraña (demasiada distorsión).

Estos efectos de distorsión en el uso de este tipo de objetivos son mucho más acusados a medida que alejamos al sujeto del centro de la imagen, por lo que si optas por una focal de este tipo, tanto para fotografía de retrato, como para cualquier otro tipo de fotografía, deberás tener esto en cuenta.

Observa las dos imágenes superiores en las que si bien el encuadre y distancia entre sujeto y cámara no son exactamente iguales, sí que se aprecia claramente cómo en la imagen en que la cara está más centrada en el encuadre hay menores distorsiones que en la que se encuentra en una posición más lateral.
Por tanto, si quieres usar estos objetivos para lograr captar una mayor cantidad de escena y ampliar la distancia aparente entre primer plano y fondo (aspectos propios del uso de grandes angulares), pero no quieres un sujeto demasiado deformado, trata de situarle en el centro de la imagen.
Si lo que quieres es magnificar las dimensiones de alguna parte de la imagen, como en este caso con el brazo del sujeto, en este caso deberás buscar una posición alejada del centro, tanto en el plano vertical, como en el horizontal.

¿Cuál es la focal más apropiada para retratos? Dependerá del tipo de plano y del resultado deseado

Existe, por último, otro aspecto a tener en cuenta a la hora de analizar el uso de una focal u otra para fotografía de retrato y es el tipo de retrato que estamos buscando, o, mejor dicho, el tipo de plano a través del que queremos inmortalizar al sujeto.

No es lo mismo un plano general, que un plano americano, que, por ejemplo, un plano detalle. Así, como podrás imaginar, en función del tipo de plano elegido, las focales más apropiadas podrán variar.

A continuación enumero focales mínimas que, en mi opinión, y sobre un sensor APS-C, pueden resultar apropiadas para fotografía de retrato en función del tipo de plano buscado.
Plano general y plano americano: 35mm o superior
Plano medio: 50mm o superior
Primer plano y primerísimo primer plano: 85mm o superior
Plano detalle: 105mm o superior

Esto no es matemático y, de hecho, estoy seguro de que alguno de vosotros no estará de acuerdo conmigo.

¿Por qué? Pues porque además de los factores mencionados también influye el resultado que espera obtener el fotógrafo.

Como ves, yo he descartado objetivos con focales inferiores a 35mm por las distorsiones que introducen en la fotografía. Sin embargo, si estás buscando un efecto diferente, puede ser apropiado su uso.

Por otro lado, puede haber quien me diga que para retrato, sea el tipo de plano que sea, prefiere usar siempre focales por encima de los 85mm para lograr imágenes más planas, en las que esté más claro el centro de atención y con nula distorsión.

Por supuesto, es una elección completamente válida, sin embargo, es posible que las condiciones de la toma no te permitan alejarte tanto, o no haya suficiente luz, por lo que también tendrás que tener esto en cuenta.

En definitiva, lo importante es que conozcas qué te aporta cada focal y no dejes al azar o a la comodidad la elección de una u otra en tus fotografías de retrato. Ya has visto que los resultados serán completamente diferentes.

¿Estás de acuerdo?

Como he venido indicando  hay una serie de efectos y de resultados claramente apreciables al hacer uso de una focal u otra, en función de lo que busques, pueden ser deseados o no.

l4-12-2014 Consejos para Blanco y Negro

 

Cinco consejos que te ayudarán a obtener mejores resultados con la fotografía en B/N

La fuerza expresiva de la fotografía en blanco y negro está fuera de toda duda. Esta es la razón por la que muchos grandes maestros siguen recurriendo a ella, no cambiará por mucho que la tecnología nos ofrezca cada vez sensores capaces de restituir una gama dinámica más amplia.

Actualmente la fotografía en blanco y negro de calidad no solo está al alcance de los profesionales, también los aficionados y los usuarios avanzados pueden experimentar con ella sin dificultad. Eso sí, para utilizarla bien es necesario replantearse el enfoque con el que solemos afrontar las fotografías en color

Apuesta por el blanco y negro

Las sugerencias que os voy a proponer a continuación representan un buen punto de partida para disparar y manipular fotografías en blanco y negro, pero no son más que eso, un punto de partida. Lo ideal es que las toméis y «juguéis» con ellas, pero dejando espacio a la experimentación, sobre todo en lo que concierne a la composición, que es el apartado en el que apenas entraremos en este post.

·  1. Dispara en RAW. Si tu cámara te lo permite, utiliza este formato y prescinde del JPEG. En la fotografía en blanco y negro el formato RAW nos ofrece exactamente lo mismo que en color: la posibilidad de realizar ajustes finos poco o nada destructivos y recuperar más información, lo que mejorará el nivel de detalle de nuestras fotografías.

·  2. Buena parte de las cámaras relativamente modernas permite disparar en blanco y negro, pero desaconsejo esta opción si optáis por disparar en JPEG.

·  3. Al disparar de día puede ser interesante utilizar un filtro polarizador, que, por un lado, nos ayudará a combatir los reflejos que producen las superficies reflectantes como el cristal o el agua, y, por otra parte, puede ayudarnos a conseguir un contraste ligeramente mayor, algo que en fotografía en blanco y negro nos viene muy bien. Eso sí, debéis tener en cuenta que absorbe un poco de luz, por lo que podéis veros obligados a optar por exposiciones más largas.

·  4. Otra forma de incrementar el contraste que en algunas fotografías en blanco y negro funciona consiste en usar ligeramente el HDR. Algunas cámaras permiten aplicar este efecto de forma automática, pero descartaría esta opción. Es preferible que juguéis con él desde la aplicación de edición para que lo apliquéis en la medida que os interese. No siempre queda bien, y, cuando lo hace, soy partidario de utilizarlo en una «dosis» muy comedida para no empobrecer la calidad de imagen introduciendo artefactos.

·  5. La fotografía en blanco y negro acentúa el protagonismo de las líneas, los bordes de los objetos y las sombras, y las superficies habitualmente pierden interés por su mayor uniformidad. Tenedlo en cuenta a la hora de sopesar la composición de vuestras fotografías para sacar el máximo partido posible a estos elementos. Os permitirán incrementar la fuerza expresiva de vuestras instantáneas.

3. Mezcla los canales

Si nos decantamos por el canal rojo en el método de selección de uno de los tres canales RGB en el que profundizamos en la primera parte de este post, incrementaremos el dramatismo de la toma. Esta opción puede resultar muy apetecible, pero en algunos casos puede no ser lo que estamos buscando.

Una buena forma de realzar el cielo y mejorar el aspecto general de un paisaje consiste en utilizar el filtro de color naranja que emplean muchos fotógrafos especializados en paisajes. Su dramatismo no es tan intenso como el de un filtro rojo, y la estética de la imagen es muy atractiva. Precisamente, este es el filtro que os proponemos aplicar en esta ocasión.

Lo primero que haremos es hacer clic en los menús Imagen y Ajustes, para, a continuación, pinchar en Mezclador de canales. Ahora debemos habilitar la casilla Monocromo y seleccionar una proporción de los canales rojo, verde y azul que nos satisfaga (el filtro naranja podemos obtenerlo mezclando los colores primarios rojo y verde en distinta proporción). No obstante, comprobad que la suma de los porcentajes de los tres canales es 100, pues, de lo contrario, alteraremos la luminosidad de la imagen.

Para concluir, dirigíos de nuevo al menú Imagen, pero, en esta ocasión, pinchad sobre Modo. Rematad la faena seleccionando la función Escala de grises.

 4. Manipula las capas de ajuste

El último método que os proponemos en este post es el que, a nuestro juicio, suele ofrecernos el mejor resultado debido a que respeta buena parte de la información de la imagen original y ofrece un resultado con mucho volumen.

Lo primero que debemos hacer es crear una capa de ajuste dirigiéndonos al menú Capa y haciendo clic en Nueva capa de ajuste. Ahora, pincharemos en la función Tono/Saturación y aceptaremos en OK. Después, crearemos una segunda capa de ajuste exactamente de la misma forma, y, cuando la tengamos preparada, modificaremos el parámetro Saturación asignándole el valor -100 para desaturar totalmente la imagen.

A continuación, seleccionaremos en la paleta de capas la primera capa de ajuste que creamos y cambiaremos el modo de fusión a Color. Si hacemos doble clic sobre esta misma capa podremos manipular el control deslizable Tono hasta asignarle el valor que nos proporciona el acabado que más nos gusta.

Para concluir solo tenemos que completar el ajuste del tono modificando la saturación hasta que consigamos el resultado que queremos. Y remataremos este procedimiento acoplando las dos capas desde el menú Capa/Acoplar capas, y convirtiendo a escala de grises desde Imagen/Modo/Escala de grises.

14-12-2014 Consejos para amanecer anochecer

 

AMANECER y ANOCHECER

Son imágenes con tonos cálidos donde vemos aparecer o desaparecer el sol, con largas sombras y tonalidades naranjas, rojas y amarillas.

Consejos básicos.

1.Comenzamos la localización de donde queremos hacer la foto,  buscar un escenario que sea atractivo y averiguar por donde sale el sol.
2 .averiguar a qué hora amanece, y las previsiones climatológicas..
3 madrugar y preparamos nuestro equipo, instalamos el trípode, y vamos configurando la cámara.
4 Yo soy partidario de enfocar a mano, buscando un punto de enfoque cerca del horizonte
5 trabajar con un objetivo de focal gran angular  para captar imágenes panorámicas,  y un pequeño teleobjetivo para capturar el sol apareciendo por el horizonte.
6 Configuro el balance de blancos en una temperatura de color que ronde los 5000 grados Kelvin y asi enfatizar los colores, y a esperar.
7 fotografiar las luces, los diferentes cambios de las sombras y si hay nubes estar pendientes de ellas, pues suelen tomar tonalidades muy interesantes.

Algunos consejos importantes.

-  Es imprescindible llevar un trípode.
-  Tanto a primera hora del día como al anochecer baja la temperatura, así que hay que abrigarse bien.
-  Llevar las baterías cargadas y tarjetas de memoria.

14-12-2015 El color en la fotografia

 

20 Trucos Para Jugar con el Color en tus Próximas Fotografías

La mayoría de nosotros hemos nacido en la era del color. Saber “hablar en color” no significa saber “escribirlo”, para eso hay que conocer un poco el “abecedario de colores” que por suerte es mucho más corto que el de nuestra lengua materna
Teoría básica sobre el color
Tono: Es el color propiamente dicho.
Brillo o luminosidad: Se relaciona con la claridad o la oscuridad de un tono. Cuanto más brillo, más claro aparecerá, y cuanto menos brillo, más oscuro .
Saturación: Es el grado de pureza del color. A más saturación más pureza de color, y a menor saturación colores más “apagados” hasta llegar al mínimo que está considerado como gris neutro.
Círculo cromático: Se utiliza para la clasificación de los colores a partir de la combinación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), y de los secundarios (verde, naranja y violeta)
Colores complementarios: Son aquellos que se encuentran situados “cara a cara” en el círculo cromático; los opuestos. La combinación de estos produce un fuerte contraste entre ellos.
Colores cálidos: Naranjas, amarillos, marrones, dorados, rojos… Todos ellos son colores “cálidos” porque suelen llevar asociada una sensación subjetiva relacionada con la calidez.
Colores fríos: Verdes, azules, y violetas. Como su nombre indica, provocan una sensación subjetiva asociada al frío.
Colores armónicos: Los colores que funcionan bien juntos, que se acompañan sin contraponerse o contrastar entre ellos. Una combinación de diferentes colores cálidos crearía una imagen armónica basada en la calidez, por ejemplo.

 20 trucos para que obtengas maravillosas imágenes en color y Trucos Para Jugar con el Color en tus Próximas Fotografías

1. Espacio de color
Independientemente del resultado que quieras obtener, cuando dispares en color, es recomendable que ajustes el espacio de color a Adobe RGB.
 La mayoría de cámaras digitales vienen con sRGB por defecto ya que este formato ocupa menos espacio, pero con Adobe RGB, la cantidad almacenada de color es mayor, y por lo tanto mayor es su detalle, su aproximación, y su exactitud.
 2. Balance de blancos
Otro ajuste que deberías realizar antes de plantearte tomar imágenes en color, es el balance de blancos, sobre todo si no disparas en RAW. EL balance de blancos no es más que la temperatura del color. Hay luces cálidas anaranjadas, amarillentas, luces frías azuladas o verdosas. Puedes corregirlas hasta conseguir un tono neutro en tu imagen o puedes jugar con esos mismos tonos, para obtener imágenes diferentes.
3. Controlar la exposición
Como fotógrafo, una de las cosas que seguro que te lleva de cabeza es aprender a controlar la exposición. Puede ser un error pequeño o un craso error, pero la verdad es que cualquier ajuste que realices para modificar la exposición en tu imagen, alterará los colores originales de la imagen, así que si no quieres que eso suceda, si quieres ser lo más fiel posible a la imagen que tienes ante ti, procura exponer de la forma más precisa posible.
4. Color en clave alta
Las imágenes en clave alta, son aquellas en las que domina la luz, el blanco, la claridad. Aquellas que nos inspiran sentimientos positivos o pureza. Por eso es fácil ver esta técnica asociada a imágenes de niños o bebés, pero la verdad es que puedes usarla en cualquier contexto; sólo necesitas un fondo blanco y mucha luz.
5. Color en clave baja
El color en clave baja nos transmite lo contrario a la clave alta. Ésta se basa en la oscuridad, el misterio, la fuerza o la elegancia. Poca luz o fondo negro
6. El espacio negativo
El espacio negativo es un elemento más de la composición de tus imágenes. Se basa en distribuir la imagen  a través de un elemento principal o centro de interés, y un espacio más o menos amplio “vacío” o con poca información, de modo que este espacio “negativo”, realce el elemento principal o “espacio positivo” dentro de la composición.
7. Fotografía macro
La fotografía macro ha llamado tu atención. La es escala es fascinante,el “desenfoque” tan agudizado que provoca y que nos regala imágenes de un bonito efecto pictórico. Si te gusta el efecto que crean los colores de fondo bien difuminados, prueba a abrir el diafragma al máximo para reducir la profundidad de campo y conseguirás un efecto no tan acusado como el macro, pero más asequible si no practicas este tipo de fotografía.
8. ¿Monocromo y color? ¿Cómo?
Como fotógrafo a todos nos gustan las imágenes que nos sorprenden de algún modo. No  tan solo sea extraña, si no con un elemento que destaque por encima del resto para activar nuestro interés. Hay muchas cámaras que permiten escoger un color de la imagen para mantenerlo y el resto de la imagen la transforman a blanco y negro. También lo puedes hacer de forma bastante sencilla en Photoshop y otros programas de retoque de imágenes. Y si no dispones de ninguna de las anteriores opciones o no te apetece utilizarlas, puedes buscar un puñado de piedras grises y una cereza, todo es cuestión de imaginación.
9. Contraste y colores complementarios
Los colores complementarios como los que se contraponen en el círculo cromático. Estos colores combinados entre sí, poseen el mayor grado de contraste visual que puedes conseguir en una imagen en color. Por ejemplo, el amarillo y el azul son complementarios. Si los combinas en una imagen tendrás una imagen de mucho contraste donde ambos elementos quedarán realzados por la combinación con su color opuesto, para generar contraste
10. Mezcla de colores cálidos y fríos
Visualmente hablando, los colores fríos “retroceden” y los cálidos “avanzan” en la imagen
11. Crea tus propias composiciones en color
Muchas veces las mejores imágenes son las mas sencillas; aquellas que cualquiera con algo de ganas, imaginación y ojo fotográfico puede construir en poco tiempo y en cualquier lugar
12. Luces y sombras
El color es un elemento más de la composición, y como tal, no debes olvidar combinarlo con otros elementos que añadan interés a tu imagen.
 Los juegos de luces y sombras pueden proporcionarte imágenes magníficas dignas de el mejor cuadro impresionista Color y sombras
13. Efecto Bokeh
Si:
a) Tienes un objetivo con una buena apertura de diafragma
b) Te gusta probar cosas nuevas
c) Tienes un trípode
d) Te gusta la imagen que verás a continuación Entonces tienes que probar el efecto bokeh, te va a encantar, y los resultados en color son increíbles
14. Filtros
Para aumentar el contraste, eliminar brillos, resaltar los colores cálidos o los fríos de una escena, para fotografía infrarroja o para efectos artísticos. Si disfrutas de la fotografía en color, en algún  momento tendrás que echar mano a uno de los filtros que se recomiendan en este artículo.
15. ¿A todas horas?
Si te gusta la fotografía en color no puedes perderte la maravillosa luz de un amanecer o un atardecer. Los colores, las texturas, la luz que se respira en esas horas es única, no la desaproveches. La fotografía se puede practicar a todas horas, pero no todas las horas te regalarán las mismas imágenes.
16. Reflejos
A estas alturas ya habrás descubierto las bondades de elementos como sombras o reflejos para mejorar tus composiciones y para hacerlas más interesantes
17. Cuenta una historia en color
Las mejores imágenes son siempre las que nos explican algún concepto que nos llega o que podemos entender. Siempre lo decimos y no creo que nunca nos cansemos de hacerlo. Tus imágenes deben hablar, deben explicarnos algo, deben conmovernos, hacernos sonreír o provocarnos aversión, pero debemos sentir algo cuando las miremos. Y tú eres el encargado de transmitirnos esa emoción.
 18. Color y emoción
Los colores tienen cada uno muchas emociones asociadas. No transmite lo mismo un rojo que un verde o un amarillo que un azul. Veamos por encima cómo cada color conlleva o provoca unos sentimientos particulares.
Rojo: Pasión, calor, peligro, prohibición, riesgo y fuerza.
Azul: tranquilo, frío, responsable, cielo y mar.
Amarillo: Alegre, brillante (es el color más brillante de todos), agresivo, vigoroso.
Verde: El color de la naturaleza por antonomasia, pureza, crecimiento, progreso.
19. Arco iris
La naturaleza siempre nos regala imágenes maravillosas a los amantes de la fotografía en color. Sus árboles de infinitas tonalidades en otoño, el nacimiento de sus flores en primavera, sus insectos de colores y diseños imposibles… pero también sus fenómenos atmosféricos llenos de colores como el arco iris. Si no tienes suerte a la caza de este bonito fenómeno ¿Por qué no te das una bañera? ¿O la preparas contigo fuera? las pompas de jabón son capaces de reflejar los mismos colores que el mejor de los arco iris que hayas visto. (Si es que el que no practica a todas horas es porque no quiere…)
20. Practica (tú)
Este truco es el mejor de todos, el que más te va a ayudar,  enseñar,  motivar e inspirar. Sin éste no somos nada. Sin éste, la cámara volvería a su caja original en menos tiempo del que tardamos en cambiar de zapatos. Para ser mejor, para entender la luz, para liberarte de reglas y normas y tutoriales e interrogantes infinitos… hay que practicar. Y mucho. Hasta que te hartes… y vuelvas a empezar,  porque verás, apasionado o apasionada de la fotografía, las pasiones no se dejan así como así, siempre acaban volviendo y a veces incluso hasta con más fuerza, porque cuando algo nos conmueve es por algo. Seguro que no te estoy hablando de nada que no te suene.