6-3-2018 Consejos para fotografiar grafitis

       

Consejos útiles para fotografiar grafitis

Los grafitis son considerados como auténticas obras de arte callejeras.

 Además, veremos trucos para conseguir fotografías espectaculares y también te informaremos sobre el tema de legalidad al compartir fotos de obras de arte ajenas.

 Consejos para Hacer Fotos a Grafitis

1. Localiza un Barrio con Buenos Grafitis

 Localiza en Internet las rutas turísticas de arte callejero más conocidas para poder organizar tu salida fotográfica y aprovecharla al máximo.

2. Aprovecha Bien la Luz Natural

Siempre te recomendamos que aproveches las primeras y últimas horas del día porque la luz es más homogénea y las sombras más suaves, intenta elegir un día nublado, donde las propias nubes actúen como difusor.  Así, podrás ganar mayor volumen y contraste.

3. Capta Lo Efímero

Por intérperie de la calle

4. Ten en Cuenta el Tamaño del Grafiti

 Usa también un gran angular y verás el efecto tan creativo que consigues.

Si lo que te interesa más es el detalle del trabajo realizado o la textura de la superficie donde está pintado el grafiti, entonces acércate todo lo posible al dibujo para fotografiarlo.

5. Añade Personas o Elementos en tu Composición

A veces, podemos incluir elementos interesantes dentro de la composición.

Les darán más realismo y personalidad a tus fotografías callejeras. Además de ayudar al espectador a hacerse una idea del tamaño real de la obra, pueden enfatizar el mensaje original.

6. Busca el Significado Oculto del Grafiti

 En la mayoría de las ocasiones llevan implícito un mensaje secreto o una idea, es decir, tienen un significado para su autor. Muchas veces, los artistas plasman sus obras para expresar artísticamente una protesta social o política.

7. Dispara tus Fotos en RAW

Si algo destaca de un grafiti son sus colores, sus contrastes y la textura de la superficie donde está pintado.

 Cuando dispares en RAW tendrás un mayor rango dinámico, por lo que podrás corregir y nivelar la diferencia entre zonas claras y oscuras(sobreexpuestas y subexpuestas) de una manera mucho más eficaz que si disparas en JPEG.

8. Combina Varias Técnicas Fotográficas

 Desde diferentes ángulos o con distintas ópticas

Usa la larga exposición para capturar el paso fantasmagórico de peatones o captar estelas de luz, prueba a cazar yuxtaposiciones, usa un objetivo macro y crea fotografías abstractas con detalles de la pintura, haz fotografías callejeras nocturnas o lightpainting, aprovecha los reflejos de un charco e incluso ¿por qué no? atrévete también a realizar retratos urbanos con los grafitis de fondo.

9. Prueba a Utilizar la técnica HDR

 Esta técnica es abarcar el máximo rango de niveles de exposición en todas las zonas de la imagen. Para ello deben realizarse tres o más fotografías del mismo lugar con diferentes exposiciones y luego unirlas en un programa de edición.

Hay cámaras que disponen del modo bracketing y que disparan automáticamente tres fotos con diferentes exposiciones configurando solo los parámetros de una de ellas

6-3-2018 Como resaltar el color en una foto

 
   

Como resaltar color en una foto

 Cámara deslumbrada por un exceso de luz reflejada. El resultado es una fotografía apagada (sub-expuesta) ¿Cómo podemos mejorarla y recuperar la luminosidad perdida?

 Consiste en variar el porcentaje de aplicación de los componentes RGB de la imagen modificando los tres valores o únicamente los de los colores que interesen potenciar (azul para

Teoría básica sobre el color

• Tono: Es el color propiamente dicho.
• Brillo o luminosidad: Se relaciona con la claridad o la oscuridad de un tono. Saturación Es el grado de pureza del color.
• Círculo cromático: colores primarios (rojo, amarillo y azul), y de los secundarios (verde, naranja y violeta.

• Colores complementarios: La combinación cromáticos y complementarios produce un fuerte contraste entre ellos.
• Colores cálidos
• Colores fríos

1. Espacio de color Con Adobe RGB da mas detalle que sRGB

 2. Balance de blancos EL balance de blancos no es más que la temperatura del color. (cálidos y fríos)

3. Controlar la exposición alterará los colores originales de la imagen, procura exponer de la forma más precisa posible.

4. Color en clave alta Da sentimientos positivos pureza (fondo blanco y mucha luz)

5. Color en clave baja la oscuridad, el misterio, la fuerza o la elegancia.

6. El espacio negativo es un elemento más de la composición de tus imágenes, realce el elemento principal o “espacio positivo” dentro de la composición.

7. Fotografía macro Si te gusta el efecto que crean los colores de fondo bien difuminados, prueba a abrir el diafragma al máximo para reducir la profundidad de campo y conseguirás un efecto.

8. ¿Monocromo y color? ¿Cómo? No es necesario que esta imagen sea ni tan solo extraña, muchas veces sólo necesita de un elemento que 

9. Contraste y colores complementarios los colores complementarios como los que se contraponen, poseen el mayor grado de contraste visual

10. Mezcla de colores cálidos y fríos los colores fríos “retroceden” y los cálidos “avanzan”

11. Crea tus propias composiciones en color

12. Luces y sombras

El color es un elemento más de la composición, y como tal, no debes olvidar combinarlo con otros elementos que añadan interés a tu imagen. Los juegos de luces y sombras pueden proporcionarte imágenes magníficas dignas de el mejor cuadro impresionista 

13. Efecto Bokeh Si:

a) Tienes un objetivo con una buena apertura de diafragma

b) Te gusta probar cosas nuevas

c) Tienes un trípode

d) Te gusta la imagen que verás a continuación

14. Filtros Para aumentar el contraste, eliminar brillos, resaltar los colores cálidos o los fríos de una escena.

15. ¿A todas horas? Si te gusta la fotografía en color no puedes perderte la maravillosa luz de un amanecer o un atardecer. Los colores, las texturas, la luz que se respira en esas horas es única, no la desaproveches.

16. Reflejos mejoran la composición.

17. Cuenta una historia en color deben explicarnos algo, deben conmovernos, hacernos sentir algo cuando las miremos.

18. Color y emoción Los colores tienen cada uno muchas emociones asociadas.

2-2-2018 Técnica de la Perspectiva Forzada

        Técnica de la Perspectiva Forzada

Vale para engañar nuestra vista haciendo composiciones imposibles por medio de imaginación y creatividad.

¿Qué es la Perspectiva Forzada?

 En jugar con diferentes planos de la fotografía en uno solo, dando una ilusión, de más o menos grande o lejos y de cercas

Jugando con la perspectiva podremos crear la ilusión óptica de que algo es más grande o más pequeño, o que está más cerca o más lejos de lo que realmente está.

¿Cómo Hacer una Perspectiva Forzada?

Hay que se pensativo, creativo tratando de aplicar técnicas:

1.    Usa la yuxtaposición: consiste en poner dos planos diferentes en uno solo.

2.    Juega con el punto de vista: Un picado o contrapicado hace a un sujeto más pequeño o más grande. Puedes jugar con los ángulos de visión para conseguir composiciones muy interesantes.

3.    Juega con la posición de la cámara: daran fotos muy curiosas y originales.

4.    Cierra el diafragma: Si dos planos diferentes parezcan estar en un mismo plano, necesitamos que ambos estén enfocados se consigue cerrando diafragma y la profundidad de campo.

5.    Usa objetivos angulares: dan mayor profundidad de campo que un teleobjetivo. Otro factor que influye en la capacidad de campo es la Distancia focal.

6.    Utiliza la hiperfocal: permite tener nuestro fondo enfocado sin perder nitidez en el primer plano. Así conseguiremos mantener a foco toda nuestra fotografía, haciendo más creíbles nuestras composiciones con perspectiva forzada.

7.    Juega con la profundidad de campo: También conseguir una profundidad de campo escasa cuando queramos hacer ver que un objeto pequeño es de tamaño mucho mayor. Se consigues desenfocado el fondo. Otra opción también es, cuando se quiere bokeh del fondo.

8.    Usa el zoom: En algunas composiciones no te quedará más remedio que usar teleobjetivos. Para cuando quieras simular que un objeto muy pequeño y uno muy grande están en un mismo plano. Sin embargo, esto reducirá significativamente tu profundidad de campo. Si cerrando el diafragma no consigues enfocar correctamente ambos objetos, otra opción es disparar dos tomas variando el enfoque y después juntar las en edición.

9.    No uses trípode: A no ser que requieras el uso del trípode para conseguir un efecto concreto en tu composición, procura evitarlo. En la perspectiva forzada será muy útil que tengas libertad de movimiento, ya que necesitarás ir mirando a través de tu visor e ir corrigiendo el encuadre hasta encontrar la posición exacta en el que tu composición encaje a la perfección.

2-2-2018 Consejos para retratos en blanco y negro

 

       Consejos para Retratos en Blanco y Negro

Hay retratos que su mirada o gesto deslumbran.

1. Pensar y Componer en Blanco y Negro

 Un retrato en blanco y negro es tan hisnotizante, porque al haber ausencia de color nuestra mirada es capaz de quedarse fija más tiempo sobre el punto de interés.

 Esto significa que es importante fijarse más en aspectos como la iluminación, el contraste, el fondo, la expresión del sujeto y de la composición, en general.

La modelo debe saber que se hará en b/n a si enfatiza los gestos y poses para transmitir mociones.

Usa raw y después configura tu cámara en monocromo.

2. Jugar con la Luz y el Contraste

La iluminación y el contraste (además de la composición) van a ser elementos con los que vas a poder jugar. Aspectos como el contraste tonal y las fuentes de luz van a ser tus bazas.

En retratos en el exterior con luz natural, ten muy en cuenta la profundidad de campo y el fondo que vas a elegir para crear contraste, no distraer la atención o añadir una textura interesante.

 Utiliza una velocidad de obturación alta para así asegurar la mayor nitidez. Recuerda que, aunque tu sujeto está quieto, si hay poca profundidad de campo cualquier mínimo movimiento puede arruinar tu captura.

 Si quieres una luz suave sin demasiadas sombras duras, elige a ser posible un día nublado o las primeras o últimas horas del día. Si lo que buscas son sombras marcadas y fuertes, el sol de mediodía.

En retratos de estudio vas a tener más control y posibilidades en fondo y luces.

 Si buscas poco contraste puedes probar con ventanas.

 Pero si pretendes endurecer más las sombras opta el beauty dish, y modificar la intensidad cambiando distancia posición, mayor intensidad de cerca.

3. Dar Protagonismo a la Mirada del Sujeto

La expresividad de la mirada puede ser crucial para tu retrato, por lo que intenta que el centro de interés sea ese, pobra desvio de mirada y enfocarla bien y usar diafragma abierto queda nitidez.

Una cabeza demasiado inclinada haga sombras sobre una bonita mirada y pedirle al sujeto que mire hacia una fuente de luz.

4. Enfatizar las Expresiones Faciales

 El blanco y negro muestra las emociones de forma pura.  El reto principal será captar la emotividad y la materialización de un sentimiento.

 Cuanto mayor sea la magnitud del sentimiento que trasmita, más interés podrá tener tu captura.

5. Aprender a Identificar un Retrato en Blanco y Negro

 Lo más recomendable es buscar personas con caras muy singulares, que tengan unas facciones muy marcadas o unos atributos de por sí llamativos, busca una mirada profunda, una sonrisa que deslumbre, arrugas muy acentuadas

6. Elegir Bien el Método de Procesado de la Imagen

Lo más recomendable es que realices tus fotografías en color y luego pasar a monocolor.

 Si es necesario, corrige aspectos como la exposición, el color, la nitidez y si eres amante del retoque, suaviza las piel o cubre alguna imperfección que no desees que aparezca

Después de estos consejos podemos sacar una conclusión muy simple: 'Un retrato en blanco y negro no puede ser realizado al azar'. El color añade información a la historia que contamos cuando realizamos un retrato, y a veces es una información relevante y otras prescindible. Aprender a identificar cuándo el color no es necesariopara que un retrato sea bueno, es la clave.

Escoger sabiamente a tu modelo para retratos en blanco y negro será el otro componente esencial para conseguir una buena foto. Elige una persona con un rostro fuera de lo común, que sea capaz de expresar mucho con una mirada o un gesto.  Ser capaz de comunicar y de mostrar la esencia de uno mismo es algo que no todo el mundo puede conseguir. Sin embargo, esa personalidad arrolladora es la que debes cazar como fotógrafo para conseguir los mejores retratos en blanco y negro.

2-2-2018 Velocidad síncrinización, flash, duración y obturación

       

 Velocidades síncronización y flashes, duración del flash o velocidades obturación.

 Qué es la velocidad alta de síncronización (HSS) o porque no puedo sincronizar mi flash a velocidades más altas.

Velocidad de síncronización, velocidad de obturación: Relacionadas sí, iguales no

La velocidad de sincronización de la cámara, es la velocidad máxima a la que es posible disparar una cámara de modo que toda la superficie del sensor quede estar al descubierto en el momento de destello del flash.

 Superada esa velocidad ¿qué ocurrirá? Lo sabéis perfectamente las temidas cortinillas en nuestra foto. Por trabajar mecánicamente (cortinillas) y electrónicamente.

¿Cuál es el proceso que se esconde aquí? El proceso es el siguiente:

• Cortinillas bajadas. Se produce la pulsación del obturador
• Se comienza a levantar la primera cortinilla por delante del sensor (esto tarda un tiempo)
• La cortinilla está levantada dejando visible el sensor
• El mínimo tiempo que puede pasar hasta que la segunda cortinilla comience a levantarse es la velocidad de sincronización.

 Habitualmente es 1/200" o 1/250", lo que equivale a 0.005 ó 0.004 segundos. Esas 4 o 5 milésimas de segundos es la cantidad más pequeña de tiempo que puede pasar entre la finalización del movimiento de la primera cortinilla y el principio del movimiento de la segunda. Es decir, que el sensor solamente queda expuesto en ese caso, durante esas 4/5 milésimas de segundo. Durante ese tiempo se debe producir el destello del flash.

• Finalménte la segunda cortinilla se mueve y termina por tapar el sensor de nuevo.

La velocidad de movimiento de las cortinillas es siempre la misma, inalterable. No cambia, salvo que haya un mal funcionamiento de la cámara. Lo que podemos variar, entonces, es el tiempo entre la finalización de la subida de la primera cortinilla y el comienzo del movimiento de subida de la segunda. Anda, si eso lo podemos hacer con la velocidad de obturación de la cámara. Efectivamente. Ese tiempo entre cortinillas lo podemos variar estableciendo la velocidad de obturación.

Entonces puedo poner velocidades de obturación de 1/60, 1/125, 1/250, ... etc. y sincronizar mi disparo con el destello del flash. ¿Esto es lo mismo que la velocidad de sincronización? no, rotundamente no.

Daos cuenta que la velocidad de sincronización es un límite, un tope, a partir del cual, nuestra cámara no podrá sincronizarse bien con el disparo del flash y se producirán esas zonas o bandas oscuras en nuestra toma.

1/200 cámara, 1/250 Auto FP, 1/320 flash tigger, 1/400 via PW Plus

 ¿porqué aparecen esas bandas horizontales cuando usamos una velocidad de obturación que supera la velocidad de sincronización? 

Veamos un ejemplo:

Pensad que elegimos 1/320" (0.003125 segundos) como velocidad de obturación. Nuestra velocidad de sincronización es 1/250" (0.004 segundos). Esto quiere decir que la segunda cortinilla comienza a subir un poco antes de tiempo (una milésima aproximadamente), antes de producirse el destello y parte del sensor queda tapado. Concretamente basta restar 0.004s - 0.003125s = 0.000875s.

¿Y la sincronización de flash a alta velocidad?

Algunos flashes poseen esta característica que muchas veces pasa desapercibida. Esta funcionalidad permite que podamos disparar sin problemas a velocidades superiores a la velocidad de sincronización, por ejémplo disparar a 1/1000. La velocidad de las cortinillas no la podíamos tocar, recordad.

El truco está en que el flash emite pequeños destellos de menor potencia, en lugar de uno, para que el sector o parte visible expuesta del sensor vaya siendo iluminada coherente y uniformemente según se produce el movimiento simultáneo de las cortinillas. Es como si dividiéramos el sensor en varias bandas y cada banda recibiese un "flashazo" de igual potencia para que al final toda la escena quedase iluminada de forma uniforme. Eso sí perderemos algo de potencia en la iluminación (y tendremos que usar aperturas más grandes), de forma general, aunque hay algún truco para evitarlo. Pero eso es otra historia.

2-2-2018 Filtros ND variables

     

        Filtros ND Variables.

 Qué son: Son filtros que se ponen delante de los objetos, que filtran la luz que pasan por ellos, restando exposición a las fotografías, permitiendo nos variar los parámetros de velocidad y diafragma sin que se quemen.

Un filtro de densidad neutra, también conocido como filtro ND, es un filtro que reduce la entrada de luz hacia el sensor de nuestra cámara.

¿Qué ventajas tiene un Filtro ND?

1. Cuando queremos obtener una profundidad de campo muy reducida:

Si queremos reducir al máximo la profundidad de campo deberemos abrir el diafragma de nuestro objetivo. Sin embargo, esto también va a hacer que recibamos mucha más luz. Podremos compensar esta entrada de luz aumentando mucho la velocidad de obturación, pero no siempre querremos hacerlo o, quizás, en un día muy soleado no sea suficiente. Un filtro ND nos permitirá abrir al máximo nuestro diafragma sin que ese aumento de luz sea un problema.

2. Cuando queremos usar una velocidad de obturación muy lenta:

 Una larga exposición, si la queremos hacer de día, difícilmente puede conseguirse sin un filtro ND. Aunque cerremos mucho el diafragma, normalmente no vamos a poder compensar la enorme cantidad de luz que va a entrar en nuestra cámara cuando la velocidad de obturación sea mayor que un segundo. A demás recuerda que cerrar demasiado el diafragma puede producir difracción, que restará nitidez a la fotografía. Gracias a un filtro ND conseguiremos realizar largas exposiciones diurnas sin quemar nuestra fotografía, y sin tener que cerrar en exceso el diafragma.

¿Qué Tipos de Filtro ND Hay?

Podemos encontrar dos tipos diferentes de filtro ND:

1. Filtros redondos: Se enroscan directamente al objetivo de nuestra cámara. Deberemos tener en cuenta su diámetro, ya que si no coinciden con el diámetro de nuestro objetivo no podremos enroscarlo. Eso sí, existen anillos adaptadores para poder acoplar cualquier filtro a cualquier objetivo. Pero tendrás que tener en cuenta que si el filtro tiene un diámetro más pequeño que tu objetivo es posible que aparezca dentro de tu encuadre y produzca viñetéo. Por eso, si pretendes usar un filtro redondo en diversos objetivos, cómpralo siempre del diámetro mayor, para que al adaptarlo a diámetros más pequeños no te dé problemas de viñeteo.
2. Filtros cuadrados/rectangulares: Requieren de un porta-filtros para poder acoplarlos al objetivo. En esta categoría encontramos además los filtros degradados o graduados.

Dentro de los filtros redondos también encontramos dos tipos diferentes: fijos y variables. Antes de ver la diferencia entre cada uno de ellos, debes saber que no todos los filtros ND restan la misma cantidad de luz. Los hay más claros y más oscuros. Es decir, los hay que restan más o menos pasos de diafragma.

Los filtros fijos simplemente restan una determinada cantidad de luz, mientras que los variables pueden variar a tu antojo la cantidad de luz que van a restar.

¿Qué es un Filtro ND Variable?

 Un filtro ND variable es un filtro redondo que dispone de un anillo para ir cambiando su opacidad, nos permitirá elegir qué cantidad de luz queremos que nos reste. Esa es su mayor ventaja.

 Si un filtro ND variable no es de buena calidad, nos dará los problemas de virado, color, reflejos, falta de nitidez y opacidad no uniforme en toda la fotografía. Son dos cristales que se pueden variar con un anillo

2-2-2018 Fotografía de Alta Velocidad

       

      Fotografía de Alta Velocidad

Con la fotografía de alta velocidad podemos conseguir capturar instantes, qué por su rapidez, el ojo humano no puede ver, y sí la cámara lo congela y que lo muestra.

¿Qué Equipo Necesito para Fotografía de Alta Velocidad?

Una cámara con control manual.

 Que tenga una velocidad de obturación muy rápida.

Un objetivo.

 Lo más luminoso posible y con una distancia focal larga (teleobjetivo). Cuando aumentamos la velocidad de obturación, estamos dejando que pase luz a la cámara durante menos tiempo, y esa falta de luz la tenemos que compensar con otras variables. Una buena idea es compensarla añadiendo más luz a la escena, con un flash externo que trabaje a gran velocidad, sin que veamos las cortinillas. 

Trigger.

 Si utilizamos el flash lo recomendado no será posicionar lo de manera frontal sobre la zapata de la cámara, habrán de disparar de fuera de la cámara.

Un trípode y disparado remoto.

No son necesarios, pero facilitan el trabajo ya con velocidades de obturación altas no tendremos problemas en cuanto a que nuestra foto salga trepidada. 

Otros Requisitos Interesantes

Una buena dosis de paciencia. Es difícil de conseguir a la primera

Un ayudante te ayuda en el trabajo.

Un rincón adecuado, sin peligro. 

Temáticas Interesantes para Fotografía de Alta Velocidad

El choque de un objeto en el agua

La rotura de un vaso o botella

Dejar caer una gota de agua en un liquido

Efecto de rotura de huevo al choca sobre algo

Salto y movimiento de una persona o animal

Captar efecto de un chorro de agua

Métodos para Conseguir Fotografías de Alta Velocidad

A la hora de practicar la fotografía de alta velocidad vamos a diferenciar dos métodos:

 hacer las fotos jugando con velocidades de obturación altas, y hacer las fotos empleando flashes.

Método 1: Utiliza Velocidades de Obturación Alta (Sin Flash)

 Tanto el sujeto u objeto de la foto, como el fondo pueden estar iluminados. Será el obturador de nuestra cámara con lo que trabajaremos para congelar el movimiento del sujeto/objeto que aparece en la foto.

La velocidad debe ser la más rápida posible y por encima de 1/4000 o 1/8000 Segundos, para que el sujeto no salga borroso.

Método 2: Utilizando el Flash

 Necesitaremos uno o más flashes, a ser posible que sean HSS (dejándonos disparar a más velocidad mayor 1/250 sin que aparezcan las cortinillas).

La fotografía en este caso se tomará abriendo el obturador de la cámara, activando el flash y cerrando el obturador de la cámara.

A diferencia del primer método, en esta ocasión la toma deberá hacerse en un entorno oscuro, ¿por qué? Pues porque aquí, la velocidad de obturación que configuremos en la cámara dará básicamente igual. Solo capturaremos el instante en el que la luz del flash ilumina el objeto a fotografiar. Es decir, que el tiempo de exposición lo va a marcar el tiempo durante el cual tengamos encendido el flash. Lo del entorno oscuro es para evitar qué si utilizamos tiempos de exposición algo más lentos en nuestra cámara, no tengamos una exposición excesiva.

Algunos Consejos Extra

• Protege tu equipo de posibles salpicaduras. 
• Utiliza el modo ráfaga y el enfoque continuo para no perder te el momento clave.
• Cuida el fondo de tus imágenes. Un mal fondo puede estropear tu fotografía. Busca el contraste y la sencillez para que sea el elemento o sujeto fotografiado lo que destaque.