miércoles, 26 de diciembre de 2018

26-12-2018 Funcionamiento del Obturador en reflex

 


Funcionamiento del obturador en una cámara réflex

El obturador de una cámara réflex resuelve más problemas de los que a pri
óri podríamos imaginar.
El diafragma del objetivo es el encargado de regular la cantidad de luz que llega al sensor mediante su apertura; mientras que el obturador será el que regulará el tiempo durante el cual la luz alcanza al sensor.
 Un tiempo que en ocasiones será bastante largo, en otras durará menos de una milésima de segundo.

 Para comprender mejor el caso de un obturador que tarde apenas una milésima de segundo en bajar y otra en subir (pensad en una persiana).
Si subimos y bajamos esa “persiana”, nos vamos a encontrar con que la parte inferior del sensor va a estar expuesta dos milésimas de segundo más que la parte superior (vamos a imaginar que el obturador primero sube para exponer el sensor y luego baja).

  Con velocidad lenta. (2 segundos)
Si nuestra fotografía precisa de una exposición de, por ejemplo, dos segundos, la parte inferior del sensor va a estar expuesta a la luz un total de 2002 milésimas y la superior 2000; no habría excesivo problema, aunque ya existiría una pequeña modificación en la luminosidad de la fotografía por la diferencia de tiempos.
  Con velocidad rápida (1/2000)
Sin embargo, si nos vamos al caso de una toma con un tiempo de exposición de sólo media milésima de segundo (1/2000) vamos a tener el problema de que la parte inferior del sensor va a estar expuesta durante 2,5 milésimas de segundo y la parte superior durante sólo esa media milésima, lo que daría lugar a una fotografía que gradualmente estará cinco veces más clara en la parte inferior que en la superior.

Como resolver esto
Para solventar esto, lo que se hace es emplear obturadores consistentes en dos cortinillas, de tal modo que ambas realizan su recorrido en la misma dirección: en reposo hay una primera cortinilla tapando el sensor y una segunda escondida por encima de él.
En el momento de presionar el disparador, cae la primera cortinilla exponiendo el sensor, y una vez transcurrido el tiempo de exposición necesario baja la segunda a la misma velocidad que la primera quedándose delante del sensor y volviendo a impedir la llega de la luz a su superficie, pasando en ese momento a grabar los datos de la fotografía en la tarjeta de memoria.
Si volvemos a nuestros dos ejemplos anteriores veréis que en el caso de la exposición larga primero cae una cortinilla y tras un par de segundos cae la segunda; sin más.
En el caso de la fotografía realizada a alta velocidad, las dos cortinillas irán “persiguiéndose” de tal modo que van a ir exponiendo todos los puntos del sensor exactamente durante media milésima de segundo mediante la banda luminosa creada por las dos cortinillas del obturador.
Exposición lenta en la que las cortinillas se mueven por orden
Exposición rápida en la que ambas cortinillas bajan persiguiéndose"
En cualquier caso, una vez terminado el proceso las cortinillas vuelven a su lugar original dejando la cámara preparada para un nuevo disparo.
Si recordáis el principio básico de funcionamiento de una cámara réflex, os comentaré que cuando disparamos en ráfaga la exposición del sensor se produce durante el tiempo que el espejo está levantado y que cuando éste baja es cuando las cortinillas vuelven a su posición original.

Problema del flash.
En una fotografía disparada a alta velocidad empleáramos el flash, puesto que su destello es brevísimo se estamparía una franja luminosa en el sensor durante la bajada de las cortinillas del obturador.
Para evitar este problema, se suele limitar la velocidad de disparo de la cámara al emplear el flash de tal modo que por encima de la cual se impida su uso.
Esta velocidad no va más allá de 1/200 o 1/250 en el mejor de los casos. Habrá un momento durante el cual todo el sensor estará expuesto a la luz, que será el aprovechado por el flash para dispararse, quedando la fotografía uniformemente iluminada.
 Solo se aplican flashes integrados en la cámara

sábado, 22 de diciembre de 2018

19-12-2018 Como disparar con flash y que no parezca


Cómo disparar con flash y  que no lo parezca.

El empleo del flash es complejo y ofrece resultados artificiales, pero bien utilizado es útil, logrando unos resultados lo más naturales que sea posible. Cosas que produce sombras borrosas en los bordes y reflejos muy brillantes en la superficie iluminada originados por flashes, pues se trata de una luz artificial, que destello breve y de alcance limitado pero muy intenso, que arroja una luz muy dura y, por tanto, aplana los volúmenes y crea sombras pronunciadas.
Se puede recurrir a distintas estrategias, por pensar que el uso del flash da solo una fuente única de luz. Siempre es mejor mezclar distintas fuentes de usar de luz para difuminar la dureza del flash. 
 Nos centraremos en ver cómo lograr resultados más naturales utilizando solamente un flash, ya sea uno externo o integrado en muchas cámaras.

Mejor un flash externo
El pequeño flash integrado a cámara es un recurso útil como flash de relleno e vitando la luz frontal que da imágenes planas y efecto de ojos rojos. Para evitarlo, y al mismo tiempo conseguir una fuente de luz más versátil, siempre es mejor utilizar un flash externo, que permite dispar desde distinto ángulo al eje del sensor evita sombras y reflejos.
Desde un lateral del sujeto principal para crear volumen, o desde atrás para conseguir que el elemento se separe claramente del fondo.

Ojo con la dirección de la luz

Variar la dirección desde la que llega la luz artificial es una buena manera de esquivar esas imágenes planas y poco naturales típicas de los disparos con flash. Por este motivo nunca debemos olvidarnos de comprobar de dónde viene la luz natural y utilizarlo en nuestro beneficio.
Utiliza un difusor de luz
Un difusor de luz que permita matizar la (generalmente) potente luz del flash y evitar así las sombras profundas.

Baja la potencia
Otra medida efectiva para hacer que la luz del flash sea más natural es reducir la potencia del destello.
Los resultados del flash son fácil de comprobar rápidamente.

Usa el flash de rebote
Otra posibilidad para lograr una luz más natural usado un flash  de rebote.
En el fondo no es más que otra manera de suavizar o difuminar la luz de una manera más sofisticada.

Aprende a usar otros modos de flash
Otra técnica que por supuesto recomendamos para usar el flash sin que se note. Recuerda que esta forma de usarlo implica que la luz natural va a ser la principal y el flash sólo va a “rellenar” una zona concreta, de eliminar las sombras que puede haber en un rostro por culpa de la iluminación principal.

El flash y la larga exposición
Otro modo de emplear el flash para que el resultado sea natural es utilizarlo como una exposición prolongada (llama sincronización lenta y tiene dos modalidades: sincronización a la cortinilla delantera y trasera). Los diferentes efectos que se consiguen con una y otra, se trata de lanzar un destello de flash algún momento de una larga exposición.
Con una foto de estas características podremos plasmar un ambiente con una iluminación muy tenue (como un atardecer o el interior de un edificio levemente iluminado) y el flash nos servirá para aportar un extra de iluminación a una determinada zona o elemento, en el caso de que haya movimiento en la foto, nos puede servir para detener ese objeto.

 Si sabemos combinarlo con el uso de difusores y con la técnica de sub-exposición de la luz del flash evitaremos que nuestras fotos adolezcan de molestas sombras o fuertes brillos en las superficies y conseguiremos lo que andamos buscando

viernes, 21 de diciembre de 2018

21.12-2018 Como sincronizar el flash a la segunda cortinilla


Cómo Sincronizar el flash a la segunda cortinilla (Y por qué)

Sincronizar el flash a la segunda cortinilla es un efecto que seguramente hayas visto muchas veces y te habrás preguntado ¿cómo demonios lo han hecho?
El flash es una herramienta muy útil pero que pocos saben usar correctamente no vale con apretar el botón y salir ráfagas.

¿Qué es la cortinilla de un a cámara réflex digital?
El disparador de la cámara, se activa el proceso de apertura del obturador para dejar entrar la luz, se consigue gracias a las cortinillas que básicamente que suben y bajan para dejar pasar la luz al sensor durante el tiempo que hayas seleccionado.

Para conseguir velocidades tan rápidas, el obturador cuenta con dos cortinillas, así mientras baja la primera, la segunda también lo hace seguidamente a milésimas de segundo. Esto reduce considerablemente el tiempo que tardaría en subir y bajar una sola.
Las dos cortinillas se abren y cierran en la misma dirección. Cuando el obturador está cerrado, una de las cortinillas tapa el sensor y la segunda se coloca justo encima de la primera.
Si se activa el disparador, la primera cortinilla baja para dejar pasar la luz hasta el sensor durante el tiempo que hayamos configurado. Una vez que haya terminado, baja la segunda cortinilla, tapando la luz y evitando que se siga exponiendo el sensor. 

Para qué sincronizar el flash a la segunda cortinilla
Ahora que sabemos cómo funciona un obturador veamos en qué puede ayudarte sincronizar el flash a la segunda cortinilla.
El flash es tu mejor aliado para congelar el movimiento y es justo lo que buscamos.
Si configuras una velocidad de obturación de 4 segundos y aprietas el disparador para capturar el movimiento de un coche sin detenerse, al cerrarse el obturador tendrás una fotografía de la estela que ha dejado al moverse, IMPORTANTE, sólo la estela.

Sincronización del flash a la primera cortinilla
Si sincronizamos el flash para que se dispare con la primera cortinilla y mantenemos los 4 segundos de obturación, pasará lo siguiente:
  • Se acciona el disparador
  • La primera cortinilla del obturador se abre y se activa el flash, congelando toda la escena.
  • El flash se apága pero la cámara sigue capturando luz, es decir, captará la estela del movimiento del coche.
  • Se cierra la segunda cortina cuando terminan los 4 segundos.
  • Si sumamos todos los pasos anteriores la escena que resulta será un coche congelado y su estela delante, dando la sensación de que va marcha atrás.
  Sincronizar el flash con la segunda cortina
Pero si configuramos los 4 segundos de obturación y sincronizamos el flash a la segunda cortinilla conseguimos lo siguiente:
  • Se acciona el disparador.
  • La primera cortina del flash se abre y comienza a capturar el movimiento del coche, su estela.
  • Cuando van a terminar los 4 segundos, se dispara el flash congelando el coche y se cierra la segunda cortina, poniendo fin a la exposición.
  • Como resultado tendremos la estela que ha dejado el movimiento con el coche perfectamente congelado, habiendo capturado el movimiento en el sentido correcto.
Este efecto suele utilizarse mucho en fotografías de bailes, espectáculos con fuego o luces, deportes de motor, etc. 

 Cómo activar la sincronización del flash con la segunda cortinilla en Canon
Para activar las opciones de sincronización del flash en Canon ve al icono de flash en la pantalla principal.
En la pantalla de ajustes de flash puedes configurar el flash incorporado o el flash externo de dos maneras:
  • Rápida con el modo fácil
  • Más exhaustivo con el modo personalizado.
Para entrar en cualquiera de las opciones pulsa INFO.
  Una vez aquí solo tendrás que elegir la cortina con la que quieres sincronizar el flash
.
  Cómo activar la sincronización del flash a la segunda cortinilla en Nikon
  • En Nikon tendrás que dirigirte a la pantalla de Información, Botón “i”.
  • Opciones del modo flash y pulsa OK.
  • Busca el modo “Rear” (trasera) y selecciona lo para activarlo.
  • También puedes modificar las opciones del flash de forma rápida, con el botón flash y la rueda del dial como se muestra en esta imagen, sacada del fantástico manual de instrucciones (¿lo has leído verdad? :))
 En conclusión
Recuerda que el flash congelará al sujeto perfectamente, por lo que utiliza tu creatividad para combinar el flash con la velocidad de obturación lenta y conseguir una estela del movimiento interesante.


domingo, 16 de diciembre de 2018

16-12-2018 Como reprducir y o detener el movimiento en fotografía


  
Cómo reproducir y o detener el movimiento en fotografía
 Una buena foto no es solo, por su composición, nitidez, atractivo del sujeto, si no por lo que trasmite al espectador. También en movimiento da magia, este se consigue con la velocidad de obturación, con velocidad rápida se congelar un instante dependiendo de la perspectiva y velocidad de la acción, también se cógela con flash con luz intensa pero corta. C
Con velocidad lenta para dar sensación de movimiento los sujetos no tienen que ser estáticos. Principio del formulario

¿Qué es la fotografía en movimiento?
La fotografía en movimiento, trasmite sensación de movimiento, en una imagen estática.

Como se consigue: Las velocidades altas detienen el movimiento que lo congelan, pero con velocidades lentas 1/10 o larga exposición se trasmite movimientos
1.Componer en movimiento
Al hacer una fotografía de un objeto en movimiento en el que se desplace el encuadre y composición, debes dejar mayor espacio delante del objeto, que por detrás”.

2.Cómo lograr una sensación de movimiento
Bajando la velocidad de obturación, se plasma la sensación de movimiento en la foto, por dejar grabar más al sujeto en el sensor.
 Por ello, cuanto mayor sea el tiempo de exposición, mayor será el movimiento plasmado en la misma.
 Cuanto más baja sea la velocidad de obturación, mayor cantidad de luz captará el sensor, por lo que corres el riesgo de sobreexponer la toma.
Además de la velocidad del obturador está el movimiento de la cámara este se evitará con trípode, disparador remoto.

3.Técnicas y trucos según mensaje y sensación a trasmitir
a) Barrido es la técnica que deberás utilizar si quieres es que el sujeto que está en movimiento y salga estático y definido, mientras que el fondo salga movido. Saca una foto con sensación de movimiento y dinamismo.
Se consigue desplazando la cámara a la misma velocidad que el sujeto y en la misma dirección consiste en desplazar la cámara a la misma velocidad y en la misma dirección en la que se mueva el objeto o sujeto que queramos fotografiar.
Se invertir el efecto del movimiento, todo lo que estaba estático quedará movido, y el objeto que se movía quedará estático.
¿Cómo lo consigo?
1.   Dependiendo de la cantidad de luz ambiente, selecciona una velocidad de obturación más lenta. Ten cuenta que cuanto más lenta sea la velocidad de disparo, más fácil será que el objeto salga movido.
2.   Guardar cierta distancia de la cámara y el objeto, ya que cuanto más cerca estén, más rápido será el movimiento, y más difícil será obtener buenos resultados.
3.   Busca una ubicación que te permita una visión limpia, es decir, sin que se interponga entre tú y el objeto.
4.   Hacer el movimiento y dirección del mismo lo más regular posible.
Los buenos resultados se consiguen:
Profundidad de campo: según el diafragma te saldrá mejor o peor enfocado el fondo.
Velocidad del Barrido: Si utilizas velocidades más rápidas (1/50 digamos) deberás hacer un barrido más veloz, y viceversa.
Distancia del sujeto: cuanto más cerca estés del sujeto mayor será la dificultad de obtener buenos resultados del barrido.
Estabilidad, usa trípode para hacer más uniforme, sobre todo con velocidades lentas.

b) Efecto Zoom o Zooming es una técnica que da la sensación de movimiento mediante la utilización del zoom del objetivo. Puede ser acercamiento o alejamiento
¿Cómo lo consigo?
1.   Encuadra la fotografía poniendo en el centro al sujeto u objeto de interés.
2.   En la medida de las posibilidades lumínicas, cierra el diafragma.
3.   Seleccionar una velocidad de obturación menor a la que utilizarías normalmente para realizar la misma toma.
4.   Mientras el obturador esté abierto, y por ende permitiendo que la luz alcance el sensor, acerca o aleja el zoom según el efecto que desees lograr. Básicamente eso lo haces variando la distancia focal mientras se está grabando la foto.
Los buenos resultados se consiguen:
Distancia focal: Usa de más abierta a más cerrada.
Objetivos Gran angular ya que sus distorsiones propias hacen de este efecto algo espectacular.
Velocidad de zoom con la que modifiques la focal hará que obtengas distintos resultados. Si lo que buscas son líneas más progresivas, tendrás que hacer un zoom más pausado, para líneas rápidas, deberás variar la focal muy rápido.
Velocidad de Obturación te hará cambiar los resultados
Estabilidad Mientras menor sea la velocidad de obturación, si la cámara no está lo suficientemente estable, la fotografía saldrá movida.

c) Exposición prolongada
La fotografía de larga exposición consiste, en dejar por un tiempo prolongado el obturador abierto, la cámara captando la “luz” de la escena en cuestión. Sólo tendrás   configurar la apertura y tiempo de exposición para que no salga sobre o sub expuesto.
¿Cómo lo consigo?
1.Monta la cámara en un trípode robusto para evitas fotos borrosa o movidas
2.Ajusta la velocidad del obturador y el diafragma para compensar la toma y evitar la sobre exposición.
3.Disparar con la cámara en modo retraso de disparo.
¿Cómo compensar la exposición cuando hay demasiada luz en el ambiente?
1.   Utiliza aperturas pequeñas: Con el diafragma lo más cerrado posible la cantidad de “luz que llega al sensor” disminuirá considerablemente.
2.   Disminuye la sensibilidad ISO: Cuanto menor sea el ISO,
3.   Prueba con filtros de densidad neutra: Los filtros disminuyen la luz que pasa.
Los buenos resultados se consiguen:
  • Combinar el flash y la exposición prolongada Combinar el flash con una velocidad de obturación lenta, podrás obtener fotografías con muchos elementos en movimiento y otros estáticos, congelados gracias al flash.
  • Utilizar filtros de densidad neutra (ND): Reducen luz y por lo tanto puedes usar velocidades más lentas.
Diferencias entre filtros de Densidad Neutra
1.   No todo es la estabilidad: ni nitidez en este tipo de fotografía.
2.   Anticipa el encuadre: predecir por dónde será el recorrido, por donde pasará el sujeto y fondo de la escena.
3.   Utiliza el modo manual, casi siempre

 Mejorar fotografías de acción
1 Desenfoque de movimiento que consiste en incluir elementos “Borroso” en una imagen. El desenfoque de movimiento permite, aporta un componente de abstracción (no confundir con el desenfoque).
Se consigue usando velocidades de obturación bajas, desde 1/60 seg. hacia abajo. La imagen completamente movida, no debe tener elementos reconocibles
2 Una opción es la de mantener nítido (congelado) el fondo de la imagen y que sean los sujetos de los planos más cercanos los que aparezcan movidos para reproducir el movimiento.
Se puede hacer con largas exposiciones en lugares con sujetos dinámicos (estelas y efecto de seda).
3 La otra opción es sujeto en primer plano permanezca congelado y el fondo sea el que aporte la sensación de movimiento.
4 Otra forma de conseguir una imagen con el primer plano estático y el fondo en movimiento es elegir un sujeto, también da sensación de movimiento.

domingo, 9 de diciembre de 2018

9-12-2018 Las texturas en fotografía


Las Texturas en fotografía

El lenguaje visual se desarrolla para expresar mensajes a través de las imágenes. Los elementos que ayudan son ritmo, volumen y textura.
La textura, es más que una ilusión óptica que ayuda a reconocer aquellas sensaciones táctiles a quien ve la foto.
 ¿Cómo influye la textura en las fotos, cómo conseguir potenciar y como se trasmite?
Todos los objetos tienen textura, lo difícil es fotografiarlo con fines comunicativos. Tiene que tener realismo para entrar en la mente del espectador y hacer que desee tocarlo.  También textura debe aportar tridimensional para que las fotos no sean planas, sino que volumen.
La textura marcará el tono de nuestras fotos por su carácter dureza y agresividad.
Con texturas duras se crean ambiente duros o fríos, pero con texturas suaves el ambiente sea limpio y suave.

COMO TRANSMITIR LA TEXTURA
La luz nos ayuda a conseguir textura, para ello se debe iluminar el sujeto de modo lateral y rasante, para dar sombras. Si la luz es dura, dará sombras duras y definidas. Si se quiere eliminar totalmente la textura, se consigue con luz frontal al sujeto y muy suave la luz.
La luz puede dar al sujeto de 90º con respecto a cámara con máxima textura. A 45º de sujeto cámara, buena textura y Cámara y sujeto de forma para nada de textura

  Si se busca una textura no agresiva, solo para dar volumen al sujeto, usar luz lateral, con unos 45º, hará sombras suaves con volumen y no agresivas.
La luz cambia durante el día, por lo que la intensidad de luz, inclinación y lugar.

Textura y Composición
Las sombras producidas por éstas son importantes en la composición. La composición se rige por líneas, figuras y pesos visuales. Otros elementos de la composición son la textura y sombras. Especialmente si las texturas son el punto de atención de nuestra fotografía.
 Un objeto/sujeto que tenga una textura lisa será mucho más ligero visualmente. Las texturas nos condicionarán la composición

viernes, 23 de noviembre de 2018

23-11-2018 Como hacer fotos diferentes


 Como hacer fotos diferentes

1. Perspectiva forzada
La perspectiva, elemento de composición y pueden ser lineal y forzada que se busca la perspectiva utilizar. La perspectiva es organizar los elementos para dar un conjunto armonioso, equilibrado, más potencia y fácil de manejar. En la vida las cosas de ven de forma tridimensional y la mente calcula la distancia real entre los elementos. En fotografía solo hay dos dimensiones y se percibe con la profundidad se comprueba el tamaño, los mas a bajos están más cerca y arriba los más lejanos y dominas esta técnica tienes una buena herramienta de composición
En perspectiva lineal las líneas paralelas de ven converger por el punto de fuga y provocando la profundidad y distancia. Se puede conseguir con objetivos gran ángular. Con el uso de un ángulo de disparo se potencia la perspectiva (picado y contrapicado aumenta la profundidad de campo y con nadir o cenital disminuye la sensación.
Picado. La toma se realiza de arriba a abajo, desde una posición más elevada que el objeto fotografiado Contrapicado. La toma se realiza de abajo a arriba.
La imagen se toma al mismo nivel que el objeto o sujeto. Ángulo nadir. Es como el contrapicado, pero la imagen se toma desde un punto completamente perpendicular.
Cenital. Es el ángulo picado llevado al extremo. La imagen se toma desde un punto completamente perpendicular al objeto, de arriba hacia abajo.

2.Perspectiva aérea
También se conoce como perspectiva atmosférica y se puede potenciar gracias a las condiciones ambientales, como la lluvia, la niebla. Sobre todo en los paisajes, los planos más alejados parecen menos nítidos y con unas tonalidades azuladas o grisáceas que el ojo interpreta como más lejanos, puesto que los colores fríos se interpretan como más alejados, mientras que los cálidos como más cercanos. Las montañas del primer plano aparecen mucho más nítidas que las del fondo, efecto se potencia mucho más con la niebla y la lluvia.

3.Perspectiva forzada
En la que manipulas la escena, poniendo sujetos en el mismo plan Se trata de lograr que los objetos o sujetos parezcan estar en el mismo plano.
Puedes lograr este efecto y “engañar” al espectador de dos formas:
Por el tamaño de los objetos: los objetos grandes se interpretan como cercanos mientras que los pequeños son entendidos como lejanos.
Por la posición de los objetos: si un objeto tapa a otro es porque está delante. Si no se tapan puede dar la impresión de estar en el mismo plano, en lugar de uno delante y el otro detrás.

¿Cómo obtener el máximo provecho de la perspectiva?
1.Utiliza distintos objetivos para jugar con la profundidad de campo
Poniendo diafragmas cerrados. Para sujetos grandes has lo contrario poca profundidad y fondo desenfocado, te darán sujetos en primer plano más lejanos.
2. En perspectiva forzada.
Usar una apertura pequeña (un número f alto) para que todos los objetos salgan igualmente enfocados.  Un truco, disparando desde un punto de vista lo más bajo posible, conseguirás que los objetos del primer plano parezcan mucho más grandes.
3. La perspectiva lineal será más evidente cuantas más líneas rectas aparezcan en la composición.
 Da muy buenos resultados en la fotografía de arquitectura. Busca líneas convergentes, además de ganar profundidad, guiarán el ojo del espectador.
4. Dispara desde un punto lo más bajo posible así las líneas parece que comienzan mucho más separadas.
5. Puedes potenciar el tamaño de los objetos comparándolos con otros de los que tenemos referencia, así el espectador podrá comprobar cómo es de grande.
6. Busca perspectivas o puntos de vista distintos al del ojo humano para que tus imágenes logren un mayor impacto.
7. Lightpainting
 Es un tipo de fotografía diferente que no se consigue con Photoshop y es aún más divertida.
8. Fotografía infrarroja
Tienes un modo usar un filtro infrarrojo
9. Ojo de pez
Las escenas dan “deformación”.
10. Time Lapse
Es una forma mágica y distinta de fotografiar el movimiento de cualquier otro elemento se produzca 
11. Multiexposición
 Disparas varias veces en el mismo fotograma, con un sujeto en movimiento, saliendo las mismas veces que disparos hagas pero en otra posición.
12. Fotografías del suelo
Los dibujos y textura del suelo, te pueden dar otra sorpresa
13. Geometrías
Las geometrías, y las líneas pueden dar mucho juego como elemento de composición. El truco está en encontrar formas interesantes con colores llamativos y que convivan en armonía.

23-11-2018 El prisma para fotografías originales

 
Trucos con un Prisma para Lograr Fotografías Originales
Un prisma de cristal además de ayudarnos a entender las propiedades de la luz, nos puede ser de utilidad para crear efectos originales en nuestras tomas.

Nuevo Accesorio Fotográfico: Un Prisma de Vidrio
Es económico, da efectos creativos
 Refleja la imagen todo dentro de radio de 180 grados.
Refleja los tonos del ambiente, temperatura de color de la luz y crea un clima luminoso.
Muestra todo el espectro de colores con diferentes longitudes de ondas. Cuando el rayo de luz da en un cristal que forma un ángulo se refracta y al salir re refracta nuevamente dando colores del arco iris.

¿Qué Accesorios Necesitamos?
Tu cámara con un objetivo.
Un prisma de cristal para realizar el efecto.
Una linterna, te vendrá bien para crear el efecto arco iris.
Trípode. Te ayudará a trabajar de manera más cómoda.
Usos Creativos del Prisma en Fotografía
También puedes utilizar el modo Live View para componer de manera más ágil Sorprendentes tan solo colocándolo delante de nuestra lente obtenemos el efecto, sobre todo en retratos

Algunos Consejos Que te Vendrán Bien
1.Cuanto más cerca esté el prisma de la lente más desenfocado.
2.Trabaja con el modo de enfoque en punto único.
3.Configura tu cámara en modo manual o en el de prioridad a la apertura de diafragma para tener el control de la exposición, al mismo tiempo que juegas con la escasa profundidad de campo en tu composición. Si es baja la profundidad de campo f1.8 a f 2.8, dará mejor resultará.
4.No te quedes con la primera foto que hagas.  Busca diferentes ángulos.
5.Las distancias focales largas suelen funcionar mejor.
6.Aprovecha los rayos de luz, naturales o artificiales.
7.Mantén limpio el prisma.
8.Busca elementos atractivos que reflejar en tu imagen.
9.El reflejo que produce el prisma y puede ayudar a ocultar elementos del encuadre que no nos gustan.

Maneras de Colocar el Prisma
1.Colocar el prisma ligeramente delante de la lente y por los laterales de la imagen.
2.Colocar el prisma justo en medio de la lente y lograr un efecto más abstracto.
3.Incidir luz sobre el prisma hasta, para que de colores que caigan sobre la modelo.
4.Por último, puedes componer tu imagen sin el sujeto dentro, y hacer que éste aparezca en el reflejo del prisma.

martes, 20 de noviembre de 2018

20-11-2018 Objetivo todo tereno

 
Objetivos Todo terreno

 Ventajas y desventajas de las lentes todo terreno y un listado bastante completo de las más recomendadas del momento.

¿Qué Es un Objetivo Todo terreno?
Un Objetivo con una lente zoom muy amplio de distancias focales y poder modificar el rango de visión.
Los objetivos angulares o grandes angulares de 24 mm para abajo, teleobjetivos de 70 mm para arriba
Los objetivos de focal fija son de más calidad, sobre todo tienen el inconveniente de que hay que desplazarse.
Ventajas de un Objetivo Todo terreno

  • Velocidad o rapidez de aplicación. Comodidad: No necesitan cambio de objetiva ni acercarse o alejarse. Portabilidad:  más fácil de transportar. Versatilidad
Desventajas de un Objetivo Todo terreno
  • Tamaño y Peso. Apertura Máxima: suelen tener una apertura máxima baja y poco luminosas. Calidad:  peor que los de focal fija, No valen para Boken. Precio: Con la mayor apertura máxima .
Objetivos Todo terreno: ¿Mejor con Estabilizador de Imagen?
Níkon: (VR) evita la trepidación en condiciones de luz bajas o usamos focales altas, se necesita emplear velocidades muy alta e ISO alto; Todo esto encarece el objetivo.

Para que nos vale un todo-terreno y sus datos
Tiene polivaléncia, en retratos, en viajes, en naturaleza, fauna, deportes te permite acercarte o alejarte sin moverte
Para adquirir un objetivo todo terreno ha de mirar entre que distancias focales se mueve ejemplo un 18-200mm. con f/3.5 -5.6 VR. (su apertura máxima es a 18mm f/3.5 hasta 200mm. a f/5.6) el VR. es que lleva estabilizador

lunes, 19 de noviembre de 2018

19-11-2018 Como hacer critica a una foto

 
COMO HACER CRITICA O ANALISIS DE UNA FOTO (Manuel La Iglesia)

A).Ventajas de hacer criticas fotográficas
Ayudan a conocer cómo hacer mejores fotos, conociendo más las técnicas que han aplicado, aprende el que hace la fotografía y lo que leen la critica.

B). Cosas que deben cuidarse al hacer una crítica fotográfica.
Decir no me gusta esa foto, sin explicar el por qué. Yo la haría otra manera (eso no es analizar nada la foto, es hacer foto nueva el analista).

C). Cosas que ayudan a hacer una crítica o análisis de una fotografía
  A ver, observar y analizar la fotografía y los detalles que la componen la fotografía. Ver cosas aspectos buenos y malos. Tratar de ser objetivos y veraces
1.Examina la fotografía. Recoge tu primera impresión al visualizar toda la foto, luego estudia todos los detalles de la foto asegurándote de ver cada componente individualmente y en relación con toda la composición.
2.Descifra qué te gusta y qué no te gusta de la fotografía. Una crítica fotográfica generalmente comienza con una impresión básica acerca de lo que sientes que funciona y que no funciona en la foto. No tienes que compartir estas percepciones; son, más que nada, puntos de inicio para análisis más profundos.
3.Describe la fotografía en términos de tus sentimientos generales o impresiones. Esta es una parte subjetiva de la crítica fotográfica y es necesario transmitir el impacto estético de la foto al fotógrafo. Por ejemplo, un retrato de textura arenosa en blanco y negro puede provocar la siguiente descripción: “Este retrato evoca un sentimiento crudo e íntimo y provee la sensación de la humildad y fuerza del sujeto”.
4.Pon atención a los componentes técnicos. Trata de ser lo más objetivo posible al cubrir los elementos técnicos de una foto.
1.Enfoque. Determina si la foto está enfocada correctamente o si involuntariamente está borrosa por un error técnico. Algunos ejemplos comunes de desenfoque involuntario para citar en tu crítica fotográfica son: enfoque en el elemento equivocado de la composición, desenfoque por movimiento o por uso del zoom.
2.Polvo y otras distracciones técnicas. Si el fotógrafo ha capturado polvo o brillo no deseados en la foto, entonces deberías señalarlo en tu crítica fotográfica.
3.Color. No todas las fotos necesitan representar colores como se verían a simple vista, pero el uso de color debe ser intencional y relevante para la foto. Los tonos descoloridos, apagados o rojizos podrían ser producto de un error técnico.
4.Iluminación. Demasiada o muy poca iluminación puede provocar muchos errores técnicos de fotografía.
5.Exposición. Se refiere a cuánto tiempo estuvo habilitada la cámara para tomar la imagen, lo cual afecta la iluminación y el contraste. Una exposición alta permite que entre más luz y puede ocasionar demasiados toques de luz, mientras que una exposición baja puede provocar una foto demasiado oscura con líneas de contraste confusas

5.Evalúa los elementos artísticos de la foto. Cubre cada uno de los siguientes elementos cuando critiques una fotografía:
1.El sujeto. Examina la imagen que ha elegido el fotógrafo y determina si es una elección caprichosa o si tiene un propósito. Por ejemplo, una foto de un mercadillo concurrido es más interesante artísticamente cuando representa a un solo vendedor negociando con los clientes, en oposición a las composiciones menos interesantes de una multitud sin punto focal.
2.Color. Además de la ejecución técnica del color, una crítica fotográfica también debe abordar el efecto artístico del esquema de color elegido. Determina si los colores añaden o quitan el sentimiento de la fotografía y si un tratamiento en blanco y negro sería más o menos efectivo.
3.Composición. Ten en cuenta el contenido y la disposición de la fotografía respecto a la posición del sujeto, la simetría, el desorden y la escasez. Además, determina si la fotografía está dirigida de manera que se resalte mejor al sujeto, los sentimientos y el mensaje.

6.Explica qué te gusta de la fotografía y porqué. Una crítica fotográfica debe señalar los puntos fuertes de una foto, así como los aspectos técnicos y artísticos que contribuyen a sus fortalezas, así que debes ser específico. Por ejemplo, decir que te “gusta la iluminación” no es tan útil como decir “Me gusta el uso de la iluminación sobre la cabeza porque acentúa las sombras del rostro, lo cual provoca un sentimiento de intimidad”.

7.Desarrolla los elementos de la fotografía que pueden ser mejorados. Tu meta es proveer al fotógrafo un análisis meticuloso y preciso de la efectividad de la fotografía. Sé específico, como en este ejemplo: “Ajustar el tiempo de exposición crearía más nitidez en el contraste, lo cual se añadiría a la textura arenosa de la fotografía”.

8.Resume tu percepción general de la fotografía. En lugar de repetir lo que dijiste en tu crítica fotográfica, provee una descripción breve de tus sentimientos en general sobre la fotografía, después de considerar sus aspectos técnicos y artísticos, fortalezas y debilidades.

domingo, 18 de noviembre de 2018

18-11-2018 Como iluminar tus retratos


Cómo Iluminar tus Retratos

La luz es básica en la fotografía, un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías. Como iluminar retratos en estudio
 Evita La Luz Frontal.Recuerda que un flash externo, por poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.
Con flash frontal y disparado desde la misma posición no es bueno y da reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales.

1 Rembrandt Light
Presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra 
 Situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.
Fondo sujeto y la cámara de frente, a 45º luz y al otro la de sujeto reflector.

Split Light (dividir)
Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo dividido.
Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

Broad Light
El tercer modo de iluminar retratos es una mezcla entre los dos modos anteriores, la luz se sitúa a 45º de la cámara, con cara del sujeto girada 45º en sentido opuesto. Se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, da belleza e intriga.

Butterfly Light
Iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa, situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero la altura del flash para consiga una iluminación superior.

Loop Light (modo intermedio entre Rembrandt y butterfly).
 Las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.
Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

sábado, 17 de noviembre de 2018

17-11-2018 Consejos para usar gran angular

 
7 consejos infalibles para usar un gran angular.

 Son capaces de atraer e impactar al espectador con formas extravagantes y llamativas

1. Aprende las diferencias con un ojo de pez
Un gran angular no es un ojo de pez. Las lentes ojo de pez distorsionan la imagen y curvan en exceso los bordes de la imagen, un objetivo gran angular nunca llegará al extremo de un ojo de pez.

2. Haz tus primeras pruebas en interiores
 No solo porque aparecerán más detalles de la habitación sino también por la distorsión artística de la que hablaba antes. Busca espacios con muchos elementos, conseguirás fotografías óptimas y llamativas sin importar en exceso dónde coloques la cámara o dónde apuntes.

3. Ten en cuenta las escalas
 Aprenderás a usar un gran angular cuando tengas en cuenta las escalas mientras se está realizando la fotografía, y más detalles en la toma. 
El círculo de confusión también tiene mucho que ver con la escala. El círculo de confusión lo constituyen los puntos de luz que llegan al sensor de tu cámara a través del objetivo y que tienen una nitidez aceptable, o al menos así lo perciben nuestros ojos. Percibiremos mayor o menor nitidez dependiendo de la agudeza visual del espectador, la distancia a la que se observa la fotografía y el tamaño de la fotografía. De ahí que la escala sea uno de los muchos elementos básicos para crear una buena fotografía.

4. Convierte la composición en el factor más importante
No incluir en nuestra composición elementos que no favorecen nada, evites cargar de contenido molesto la composición. Los resultados pueden ser mejores si buscas un objeto como primer plano, la distancia que existe entre los planos de la escena, dando mayor profundidad de campo.   
Siempre que trabajes con un objetivos gran angular la composición debe convertirse en el punto fuerte de tus trabajos.

5. Recuerda que tu posición será fundamental
Cuando estamos trabajando con un objetivo de distancia focal estándar o con un teleobjetivo la posición de nuestra cámara no tiene demasiada repercusión en el resultado final. Que inclines la cámara unos centímetros hacia abajo o hacia arriba cuando estás trabajando con fotografía deportiva o fotografía de aves no implicará un cambio excesivo, sino que más bien hay que tener en cuenta dónde está apuntando el objetivo, sin embargo cuando hablamos de usar un gran angular la cosa cambia.
Modificar en tan solo unos centímetros la posición de la cámara nos lleva a resultados completamente diferentes.
 Si estás trabajando con un gran angular en una habitación o un interior y la cámara está centrada con respecto a la habitación, los resultados serán bastante aburridos, mientras que si inclinas la cámara unos centímetros arriba o hacía abajo notarás cómo las líneas se vuelven más llamativas y espectaculares, dando esa sensación de amplitud que tanto caracteriza a los objetivos gran angular, con un teleobjetivo la posición de la cámara no implicaría lo más mínimo.

17-11-2018 Consejos manejo Gran Angular

    Consejos para manejo Gran Angular

 Gran Angular: Ten en Cuenta el Tamaño de Sensor de tu Cámara.
 El ángulo de visión es bastante grande, incluso deformando los elementos que se encuentran muy cerca, y dando la sensación de que los objetos del fondo son mucho más pequeños de lo que son en realidad.
 El tamaño del sensor determina la distancia focal equivalente (real) de tu objetivo. Si tu sensor es más pequeño tienes que tener en cuenta el factor de recorte 14mm en una cámara con sensor APS-C con factor de recorte 1.5x (distancia focal equivalente a 21mm).

Cuando alguien busca un objetivo gran angular es porque quiere capturar un ángulo de visión muy grande. Estos objetivos son ideales para fotografiar en interiores, ciudades o paisaje. La idea es capturar el mayor espacio posible.

Otro aspecto a tener en cuenta es si vamos a utilizar porta filtros, se puede viñetear.

La luminosidad en los grandes angulares
Si necesito un objetivo luminoso es porque voy a trabajar en condiciones de luz escasas. Por ejemplo, en interiores o fotografía nocturna.
El objetivo gran angular, no llegan como mucho a f/2.8, siendo lo habitual f/4. Recuerda que un paso de más de luz significa tener que exponer durante la mitad de tiempo.

Con ISO máximo y diafragma abierto, la velocidad es determinante, con elementos estáticos puedes disparar con velocidades lentas, los hay con estabilizador y usa trípode.
El problema viene cuando hay movimiento de los sujetos es cuando un diafragma más abierto.

Gran Angular: ¿Zoom vs Focal fija?
Un objetivo con zoom es más versátil, ya que no siempre puedes desplazarte, pero si puedes desplazarte puedes usar focal fija de más calidad, menor peso y económico.
La calidad de un objetivo viene determinada por varios aspectos (calidad óptica del cristal)

17-11-2018 Objetivo gran ángular

   
Un Objetivo Gran Angular
Gran Angular siempre asociado a paisajes.

Características de los objetivos Gran Angular
1.Distorsión: Sobre las líneas, más cercanas, los planos más cercanos son más afectados.
2.Profundidad de campo: Gran Angular, es su elevada profundidad de campo y permite tener enfocados la mayoría de planos en la imagen.
3.Mayor ángulo de visión: Los grandes ángulos de visión nos permiten incluir más elementos de la escena.
4.Distancia entre planos: El Gran Angular acentúa la distancia existente entre los diferentes planos; Las cosas parecen estar mucho más alejadas entre ellas de lo que realmente están.

Tipos de objetivos
La distancia focal va de 11 a 35 mm
– Gran Angular Estándar: Focales situadas entre los 28 y los 35mm y con un ángulo de visión que varía de los 60° a los 65°.
– Súper Gran Angular: Focales situadas entre los 17 y los 28mm y un ángulo de visión de más de 80°, son los más usados en fotografía de paisajes.

Como trabajar con Grandes Angulares
1)Acércate y trabaja todos los planos, sobretodo en primer plano
Por ser el ángulo de visión amplio es difícil centrar el interés. Para primeros planos acercarse, pues la distancia focal la aleja, de aquí que se use en paisajes, y artístico
2) Trabaja la composición
Dar protagonismo al centro de interés
3) Trabaja las líneas
Las líneas son un elemento compositivo muy interesante en fotografía, y más en fotografía realizada con Gran Angular. Las líneas en las composiciones, acentúan las fugas y las líneas convergentes, dirigen la mirada, y dotan la imagen de mucha potencia visual y dinamismo.
4) Trabaja la nitidez
Por su ángulo abierto dan gran profundidad de campo y la hiperfocal se consigue más nitides
5) Controla todos los elementos de la imagen
Todo lo bueno del amplio campo de visión del Gran Angular, también lo tiene de peligroso no controlar el encuadre.
6) Amplitud
No por casualidad muchas fotografías de interiores son tomadas con un Gran Angular, la sensación de espacio y amplitud, por lo que puede serte de gran utilidad fotografiar interiores. Por ser objetivos luminosos, por lo que podrás trabajar con ellos a ISO relativamente bajas y a buena velocidad.
7) Ojo con los filtros 
No debes usar filtros para no producir efecto no deseados, sobre todo con polarizadores tonos irreales y azulados
8) Retratos originales
Los retratos son creativos por la distorsión y si se hace de cerca son exagerado de grandes
9) Cuándo utilizar un Gran Angular
Paisaje, Fotografía de interiores, Arquitectura, Fotografía Documental, Fotoperiodísmo y artística.